Concebido como una escultura al aire libre, el templo de Skúli Mogensen mide aproximadamente 18 metros de largo por 14 de ancho y está construido con hormigón arquitectónico. El proyecto nació de una promesa personal: construir una iglesia para su esposa, Gríma, con motivo de su boda. Las obras comenzaron en 2024 y concluyeron a tiempo para la ceremonia, celebrada el 16 de agosto de 2025. La composición parte de referencias a distintas tradiciones arquitectónicas y religiosas. El techo se eleva como una cruz de Malta flotante, mientras que el pavimento retoma la forma de una Cruz Celta con un círculo central que puede utilizarse como hoguera, evocando prácticas paganas. Estas geometrías establecen una relación entre el edificio, el ritual y las formas simbólicas que han acompañado históricamente a los espacios sagrados. Abierto a los elementos, el templo mantiene una relación directa con su paisaje. Las aberturas están alineadas con los puntos cardinales, permitiendo que la luz solar atraviese la estructura y proyecte sombras cambiantes sobre sus superficies. La arquitectura adquiere así una dimensión temporal: el recorrido del sol modifica continuamente la percepción del espacio y refuerza su carácter contemplativo. El diseño toma como referencias espacios sagrados antiguos, como el Panteón de Roma, y la arquitectura de Tadao Ando, especialmente por su empleo del hormigón, el espacio abierto y la luz natural. El resultado no busca reproducir estos referentes, sino reunir sus principios dentro de una propuesta contemporánea, sobria y estrechamente vinculada con el entorno. El templo está construido con hormigón visto fundido en sitio, mientras que la cruz situada a nivel del suelo está realizada con tablas macizas de roble. Su disposición refleja la cruz suspendida sobre ella en la cubierta, creando una relación visual entre ambos elementos. Entre geometría, materia, luz y paisaje, el proyecto convierte una promesa íntima en un espacio destinado a acompañar un momento significativo de la vida. Referencia: El templo / Skúli Mogensen | ArchDaily

La Terminal del Puerto de Kaohsiung reúne en una misma intervención una terminal de cruceros, una torre de oficinas y espacios públicos, convirtiendo una infraestructura portuaria en un punto de encuentro entre la ciudad y el mar. El proyecto, desarrollado por Jesse Reiser junto con Nanako Umemoto tras un concurso internacional, mantiene las operaciones del puerto mientras incorpora una nueva dimensión urbana capaz de permanecer activa incluso cuando no hay barcos en servicio. La propuesta parte de las relaciones entre distintas funciones y no únicamente de su distribución en planta. Este enfoque, denominado “urbanismo 3D”, organiza el edificio mediante tres niveles de intercambio: las actividades industriales del puerto, las funciones de ferry y crucero y un paseo marítimo público. Al orientarse hacia la ciudad, estos estratos se complementan y permiten que las actividades portuarias convivan con espacios destinados al uso cotidiano. En la planta baja, espacios comerciales y comunitarios se relacionan con una logia protegida que recibe pasajeros y puede albergar mercados y puestos de comida callejera. El conjunto incorpora también una guardería y un jardín de infancia. En el segundo nivel se concentran las operaciones de ferry y crucero, junto con espacios interiores preparados para grandes reuniones y actuaciones durante los periodos de menor actividad marítima. El tercer nivel introduce un parque elevado y un muelle público frente a tiendas y restaurantes, creando un mirador hacia el puerto y el mar. Esta continuidad del espacio público responde a la intención de conectar el proyecto con la vida urbana de Kaohsiung y no limitarlo a su función como infraestructura de transporte. La terminal incorpora así recorridos y lugares de permanencia que pueden disfrutarse independientemente de los horarios de los barcos. Frente a la tradición de proyectar grandes terminales para cumplir una única función, el proyecto plantea una infraestructura polifuncional, donde las actividades cívicas, culturales y comerciales forman parte de su funcionamiento cotidiano. Además de conectar Kaohsiung con otras ciudades de Asia Oriental y el mundo, el edificio responde a las necesidades de sus habitantes. Su carácter abierto e informal ha permitido que los propios ciudadanos comiencen a apropiarse de diferentes

En Massy, Francia, el Conservatorio de Danza, Música y Teatro diseñado por Dominique Coulon & associés aparece entre los edificios residenciales casi como una pieza inesperada. Su volumen compacto, revestido en tonos ladrillo y naranja, contrasta con el paisaje urbano de tonos claros, pero la aparente sencillez exterior esconde un interior mucho más dinámico. El proyecto convierte un edificio público en un punto de encuentro donde arquitectura y práctica artística forman parte de una misma experiencia. Uno de los gestos más singulares del proyecto nace de un ailanto existente. En lugar de desplazarlo, la arquitectura modifica su propia geometría para abrazarlo: la fachada se curva y genera un patio amplio alrededor del árbol protegido. El resultado produce una relación poco convencional entre naturaleza y construcción, mientras que el color del follaje dialoga con la fachada. Por la tarde, el volumen adquiere además una presencia casi luminosa, funcionando como un faro urbano para quienes recorren la calle. Detrás de su fachada casi opaca aparece una organización mucho más compleja. Un atrio desplazado articula los cuatro niveles mediante vacíos, curvas y aperturas que permiten asomarse a las distintas actividades. Desde el vestíbulo pueden descubrirse ensayos de música y percusión, mientras una secuencia vertical de ventanas conduce la mirada hasta un tragaluz circular. El edificio deja así de ser una caja cerrada para convertirse en una experiencia que se revela poco a poco. Las dos primeras plantas están dedicadas a la música, con muros inclinados y geometrías no paralelas que ayudan a controlar la reverberación. En el nivel superior, las salas de danza adquieren identidades propias mediante tonos rosa, blanco y negro, además de ventanas panorámicas y aberturas altas que filtran una luz suave. Cada espacio responde a una disciplina distinta, pero todos forman parte de una misma composición arquitectónica. El corazón del conservatorio está ocupado por una espectacular escalera de tijera que serpentea entre los cuatro niveles. Su geometría recuerda a las escaleras imposibles de Penrose y altera la percepción del recorrido, mientras las ventanas elevadas introducen luz como si siguieran un ritmo musical. También cambia la acústica: frente a las aulas,

Cerca de Yixing, conocida como la capital de la cerámica de China, el Earth Valley Theater propone una experiencia escénica en la que arquitectura y paisaje prácticamente dejan de distinguirse. El proyecto de GOA, Grupo de Arquitectos, ocupa 9,200 m² en un valle de las Montañas Mezcladas y plantea un recinto al aire libre donde las aves pueden desplazarse libremente mientras el público presencia el espectáculo desde un anfiteatro para 2,300 personas. En lugar de imponer una forma sobre el terreno, el proyecto aprovecha un valle natural con forma de T como punto de partida. Tres plazas y sus vestíbulos organizan la llegada, mientras distintos recorridos conducen hacia el teatro: una cubierta continua en zigzag acompaña el borde del agua y otros senderos siguen las ondulaciones del paisaje. La propia topografía ayuda a separar las zonas de visitantes de los espacios destinados a las aves, reduciendo la necesidad de grandes movimientos de tierra. La posición hundida del anfiteatro permite que las trayectorias de vuelo atraviesen el espacio escénico sin convertir a las aves en elementos confinados dentro de una jaula convencional. La geometría de las gradas y las rutas de vuelo fueron coordinadas para mantener distancias seguras, generando momentos en los que las aves pueden desplazarse sobre el público a una escala cercana. El efecto busca algo más que sorprender: hacer perceptible la presencia de otras especies dentro de la experiencia arquitectónica. El proyecto fue desarrollado junto con especialistas en comportamiento aviar y profesionales del espectáculo para integrar la infraestructura necesaria dentro de la arquitectura. Sistemas de iluminación sin parpadeo reproducen transiciones naturales de luz, mientras accesos automatizados y refugios especializados facilitan los desplazamientos de las aves. Incluso la acústica fue diseñada para concentrar el sonido en el área de espectadores y reducir su impacto en las zonas de anidación. La materialidad también conecta el teatro con su contexto. El hormigón trabajado con técnicas de fabricación digital adquiere texturas inspiradas en la tierra y la cerámica, mientras que las estructuras ligeras del aviario incorporan una envolvente de HDPE que evoca el tejido tradicional de bambú. La estrategia ambiental completa la

En Taizhou, China, el estudio TJAD transforma un antiguo frente industrial en un paisaje público donde ingeniería, ecología y vida urbana conviven. El proyecto forma parte de una estrategia de seguridad y resiliencia frente a inundaciones en la ribera sur del río Jiaojiang, pero su ambición va más allá de contener el agua: busca devolver el borde fluvial a la ciudadanía. En lugar de esconder el terraplén detrás de una geometría dura, la intervención lo modela como una sucesión de suaves montículos que prolongan visualmente el movimiento del río. Césped, senderos y plataformas sustituyen la imagen convencional de una infraestructura defensiva y convierten la pendiente en un espacio cotidiano para caminar, descansar, hacer deporte o simplemente contemplar el paisaje. La protección frente a inundaciones deja así de ser una barrera y empieza a formar parte de la experiencia urbana. La autopista y el antiguo dique habían separado físicamente a Taizhou del agua. Para revertirlo, el proyecto introduce una red de recorridos en distintos niveles: pasos a nivel, escaleras ajardinadas, un puente elevado y una ciclovía que aprovecha los 2,4 metros de diferencia entre la avenida Hehe y el terraplén. El resultado es una conexión más fluida entre la ciudad y el río, con nuevos puntos desde los que recuperar una relación visual que antes estaba interrumpida. En el corazón del conjunto, la arquitectura acompaña esta nueva topografía con formas curvas y espacios abiertos. Un vestíbulo de doble altura, salas de exposición de gran luz, patios hundidos y terrazas de observación construyen una secuencia de espacios públicos donde la luz natural, las sombras y las vistas hacia el río adquieren protagonismo. Más que un objeto aislado, el edificio funciona como una extensión habitable del paisaje. El antiguo patio de grava se transforma mediante restauración ecológica en un paisaje vivo, capaz de reunir memoria industrial, infraestructura y naturaleza. El llamado Parque del Atardecer propone otra manera de entender los bordes urbanos: no como límites que deben superarse, sino como lugares de encuentro. En este proyecto, proteger la ciudad también significa abrirla nuevamente hacia el agua. Referencia: Ondas convirtiéndose en suelo cotidiano /

En una ladera con vistas hacia San Salvador de Jujuy, el Centro Cultural Lola Mora se integra al entorno natural de la región noroeste de Argentina. La propuesta de Pelli Clarke & Partners adopta una geometría curva que acompaña la topografía y se acomoda entre los árboles autóctonos existentes. El acceso, resuelto mediante un puente sobre un barranco natural, convierte el recorrido hacia el edificio en parte esencial de la experiencia arquitectónica. El proyecto tiene como eje la conversación y exhibición de seis obras monumentales de Lola Mora, escultora argentina reconocida internacionalmente. Los leones, Libertad, Progreso, Trabajo, Paz y Justicia fueron tallados en mármol de Carrara y originalmente concebidos para el Palacio del Congreso Nacional Argentino. Después de más de un siglo expuestas en la intemperie, las piezas cuentan ahora con un espacio diseñado específicamente para su conservación, interpretación y encuentro con el público. Más que concentrase únicamente en salas de exposición, el centro plantea una experiencia cultual amplia. Galerías, espacios de interpretación, biblioteca, restaurante, tienda y áreas para exposiciones temporales y artistas invitados conforman un programa pensado para mantener activo el edificio. El paisaje, desarrollado por Balmori Assiciates, complementa esta visión al preservar las condiciones ecológicas existentes y reforzar la relación entre arquitectura y territorio. La estrategia ambiental forma parte integral del proyecto. Una torre que incorpora 5 aerogeneradores funciona también como hito dentro del paisaje, mientras paneles fotovoltaicos y colectores solares térmicos contribuyen al abastecimiento energético. Lo envolvente de alto desempeño y los sistemas mecánicos eficientes reducen el consumo, y la captación de agua pluvial permite aprovechar el recurso para el riego. Incluso el barranco participa en la estrategia mediante pequeñas presas que ayudan a controlar la escorrentía y la erosión. El Centro Cultural Lola Mora representa también una nueva etapa para Pelli Clarke & Partners; es el primer edificio cultural de la firma en Sudamérica y el último proyecto liderado por su fundador, César Pelli. El resultado encuentra una manera contemporánea de hablar de patrimonio sin aislarlo de su contexto. Piedra de origen local, vegetación existente, topografía y tecnología convergen en una arquitectura que entiende que preservar

El proyecto Flânerie, desarrollado por CN10 architetti, parte de un análisis detallado de Bérgamo para recuperar las relaciones existentes entre sus espacios, recorridos y elementos urbanos. La intervención reorganiza el conjunto del Centro Piacentiniano como un gran parque urbano, reforzando las conexiones entre edificios y espacios públicos que forman parte de la identidad moderna de la ciudad. Uno de los principales objetivos fue ordenar una zona afectada por la superposición de recorridos y flujos vehiculares. Para ello, el proyecto depura las circulaciones y recupera las trazas existentes como estructura para una nueva red peatonal, donde pequeñas intervenciones permiten relacionar monumentos, plazas y edificios sin alterar su presencia.     La transformación también apuesta por recuperar el suelo y mejorar las condiciones ambientales del conjunto. Cerca de la mitad de las superficies que anteriormente estaban cubiertas de asfalto fueron sustituidas por pavimentos de piedra y áreas verdes, incorporando nuevamente sistemas naturales de drenaje y ampliando la presencia de vegetación dentro del centro urbano.   Los nuevos parterres no buscan imponer una geometría ajena al contexto, sino aprovechar las trazas acumuladas a lo largo del tiempo. El pozo de Piazza Dante, la alfombra de piedra del Teatro y los espacios verdes bajo los castaños de Indias del Sentierone se convierten en puntos de referencia para construir una intervención que combina paisaje, memoria y espacio público. El resultado es una intervención de escala contenida que establece nuevas relaciones entre el Quadriportico, la iglesia de San Bartolomeo, el Teatro Donizetti, la Torre dei Caduti y los demás edificios del Centro Piacentiniano. Entre piedra y vegetación, el proyecto recupera una idea de ciudad donde los recorridos y el paisaje vuelven a formar parte de la experiencia cotidiana. Referencia: Centro Piacentiniano / CN10 architetti | ArchDaily en Español

La estación Pakenham transforma el concepto de infraestructura ferroviaria al convertirse en un nuevo punto de encuentro para la comunidad. Como parte del Proyecto de Eliminación de Pasos a Nivel de Victoria, la intervención sustituye tres cruces ferroviarios y crea un corredor elevado que mejora la movilidad mientras reconecta distintos sectores urbanos mediante nuevos espacios públicos. El proyecto reúne servicios ferroviarios, terminal de autobuses, estacionamiento, infraestructura ciclista y recorridos peatonales en un mismo sistema. Al elevar las vías, también libera más de 20,000 metros cuadrados bajo el viaducto para parques, plazas y senderos, fortaleciendo la relación entre la estación, el centro de Pakenham y su entorno inmediato. La cubierta ondulada, inspirada en el paisaje del oeste de Gippsland, define la identidad arquitectónica del conjunto y favorece una experiencia abierta y confortable. La estación prescinde de cerramientos innecesarios para aprovechar la iluminación natural, la ventilación cruzada y la visibilidad continua, mejorando la seguridad de los usuarios y reduciendo el consumo energético. La cubierta ondulada, inspirada en el paisaje del oeste de Gippsland, define la identidad arquitectónica del conjunto y favorece una experiencia abierta y confortable. La estación prescinde de cerramientos innecesarios para aprovechar la iluminación natural, la ventilación cruzada y la visibilidad continua, mejorando la seguridad de los usuarios y reduciendo el consumo energético. La propuesta incorpora soluciones constructivas de alta precisión, como un sistema de cubierta ligera fabricado digitalmente que reduce el uso de acero y la huella de carbono. A ello se suman paneles solares, estrategias de captación y gestión del agua, infraestructura para movilidad activa y materiales reciclados, consolidando un modelo de infraestructura más eficiente y responsable. El desarrollo integra la participación del pueblo Bunurong mediante referencias culturales presentes en la arquitectura y el paisaje, fortaleciendo el vínculo entre el espacio público y la historia del territorio. Más allá de resolver necesidades de transporte, la estación Pakenham demuestra cómo la infraestructura contemporánea puede generar valor urbano, ambiental y social para las comunidades que la habitan. Referencia: Pakenham Station / Genton | ArchDaily

Diseñado por Studio Caspar Schols, De-Vice propone una experiencia donde la arquitectura cambia con el movimiento de quien la habita. Concebido como un espacio de meditación cinético, el proyecto invita a abrir gradualmente su envolvente para establecer una conexión progresiva entre el interior y el paisaje. La experiencia comienza al accionar un sistema de pedales que desplaza lentamente el cerramiento en direcciones opuestas. Más que modificar la estructura, este gesto transforma la percepción del entorno, convirtiendo el movimiento del cuerpo en el elemento que define la relación entre arquitectura, naturaleza y contemplación. Elevada sobre una estructura de acero, la cámara principal está revestida con cerca de 3,000 láminas de pan de oro que reflejan la luz de manera cambiante a lo largo del día. La intervención artesanal, realizada completamente a mano, refuerza la intención del proyecto de vincular el proceso constructivo con la atención plena y el momento presente. La estructura se apoya sobre grandes rocas inspiradas en los hunebedden, antiguos monumentos megalíticos de los Países Bajos asociados con rituales y espacios de contemplación. Esta referencia conecta la propuesta contemporánea con una tradición ancestral donde la arquitectura ha servido como escenario para la introspección. Más que un pabellón, De-Vice plantea una reflexión sobre la relación entre cuerpo, espacio y paisaje. Al transformar la apertura, la luz y el movimiento en parte esencial de la experiencia, el proyecto demuestra cómo la arquitectura puede convertirse en una herramienta para redescubrir el entorno y la percepción del tiempo. Referencia: Espacio de Meditación Kinético De-Vice / Studio Caspar Schols | ArchDaily en Español

La nueva sede mundial de Sotheby’s, ubicada en el emblemático edificio Breuer de Nueva York, marca el inicio de una nueva etapa para uno de los referentes de la arquitectura moderna. El proyecto, desarrollado por Herzog & de Meuron en colaboración con PBDW Architects, conserva la esencia del diseño original de Marcel Breuer mientras adapta el inmueble a las necesidades actuales de la casa de subastas. La intervención parte de una estrategia de mínimos cambios, respetando elementos icónicos como los pisos de piedra azul, los techos de concreto, la escalera escultórica y diversos acabados originales. Al mismo tiempo, incorpora mejoras en accesibilidad, flexibilidad y funcionalidad para ofrecer una experiencia más contemporánea sin perder el carácter histórico del edificio. El proyecto incorpora galerías de última generación, salas de subastas flexibles y áreas destinadas a exposiciones temporales que amplían las posibilidades del inmueble. También integra un nuevo restaurante desarrollado junto a Roman and Williams, reforzando la vocación del edificio como un punto de encuentro para el arte, el diseño y la cultura. Además de recuperar distribuciones originales y liberar espacios antes destinados a oficinas, la renovación incorpora nuevos sistemas de iluminación y climatización que mejoran el desempeño del edificio. La iluminación exterior también fue replanteada para devolver protagonismo a la arquitectura sobre la Avenida Madison. Más que una actualización funcional, la nueva sede de Sotheby’s demuestra que la preservación arquitectónica puede impulsar nuevas formas de habitar edificios históricos. La intervención equilibra respeto por el legado de Marcel Breuer con soluciones contemporáneas que aseguran la vigencia de este ícono para las próximas generaciones. Referencia: Sede mundial de Sotheby’s en el edificio Breuer / Herzog & de Meuron + PBDW Architects | ArchDaily en Español

Ubicada sobre un barranco en la costa de Santo Domingo, Chile, Casa Illapangui del Peumo replantea la vivienda familiar como un pequeño conjunto arquitectónico. En lugar de concentrar todos los espacios en un solo volumen, el proyecto organiza sus funciones en torno a una calle de patio abierto que conecta los diferentes ambientes y enmarca una vista puntual hacia el océano Pacífico. La vivienda se compone de tres edificios con funciones específicas: un volumen social, otro destinado a las habitaciones y un tercero para las áreas de servicio. Patios, recorridos y espacios intermedios articulan el conjunto, generando distintas atmósferas y permitiendo que cada espacio establezca una relación propia con el paisaje y la luz natural. Uno de los rasgos más distintivos del proyecto es la reutilización de madera proveniente de una casa de colonos alemanes construida en 1900. Piezas de laurel y roble fueron desmontadas, trasladadas y reincorporadas en pisos, cubiertas, vigas y mobiliario, integrando un sistema constructivo cargado de historia que dialoga con la arquitectura contemporánea de mampostería estucada. Un boldo nativo existente se convierte en el centro de la composición. La cubierta principal modifica su geometría para rodear el árbol e incorporarlo visualmente al interior, mientras que la calle-patio dirige la mirada hacia el mar mediante un único eje visual. El paisaje deja de ser un fondo para convertirse en un elemento activo del recorrido y la experiencia espacial. Casa Illapangui del Peumo demuestra que la arquitectura doméstica puede inspirarse en la lógica de una ciudad. La combinación de patios, volúmenes independientes y materiales recuperados crea un hogar flexible, cálido y profundamente conectado con el territorio, donde cada espacio ofrece una forma distinta de habitar el paisaje costero. Fuente: Casa Illapangui del Peumo / Vergara Arquitectos | ArchDaily

Diseñado por Kohn Pedersen Fox (KPF) para Hang Lung Properties, Westlake 66 redefine el desarrollo de usos mixtos al convertir la arquitectura en una extensión del espacio público. Ubicado en Hangzhou, China, el complejo establece un nuevo corredor urbano entre dos de los grandes referentes de la ciudad: el Lago del Oeste, declarado Patrimonio Mundial por la UNESCO, y el histórico Gran Canal. Inspirado en la pintura “Morando en las montañas Fuchun” de Huang Gongwang, el proyecto traslada los principios del paisaje tradicional chino a una propuesta contemporánea de escala urbana. Más que un conjunto de edificios independientes, Westlake 66 se concibe como un paisaje construido. El desarrollo integra cinco torres de oficinas, un hotel boutique, parques públicos y un podio comercial articulados mediante una composición escalonada que permite la entrada de luz natural y mejora la relación entre los edificios. En el centro del proyecto se encuentra el Sky Park, un recorrido ajardinado de 400 metros que conecta todos los programas y ofrece vistas hacia las montañas y los principales hitos de Hangzhou, elevando la experiencia peatonal por encima del nivel de la ciudad. Para definir la forma final del complejo, KPF recurrió a herramientas de modelado computacional, evaluando miles de configuraciones posibles con base en criterios como asoleamiento, sombras, confort ambiental, vistas y desempeño comercial. El resultado es una arquitectura donde la eficiencia y la experiencia del usuario evolucionan de manera conjunta. Uno de sus elementos más distintivos es la Urban Cell Wall, una fachada modular adaptable compuesta por aluminio, terracota esmaltada y paneles intercambiables que permite responder a futuros cambios de uso sin alterar la identidad del conjunto. Además de su apuesta por la innovación urbana, Westlake 66 incorpora una estrategia ambiental respaldada por algunas de las certificaciones más exigentes del sector. El complejo obtuvo la certificación China Green Building de 3 estrellas, BREEAM Excellent y WELL Platinum, mientras que dos de sus torres alcanzaron LEED Platinum y otras cuatro LEED Gold. Con esta propuesta, KPF demuestra que la arquitectura de gran escala puede combinar tecnología, paisaje y espacio público para construir ciudades más habitables, conectadas y