Arquitectura, diseño e interiorismo internacional

En una ladera con vistas hacia San Salvador de Jujuy, el Centro Cultural Lola Mora se integra al entorno natural de la región noroeste de Argentina. La propuesta de Pelli Clarke & Partners adopta una geometría curva que acompaña la topografía y se acomoda entre los árboles autóctonos existentes. El acceso, resuelto mediante un puente sobre un barranco natural, convierte el recorrido hacia el edificio en parte esencial de la experiencia arquitectónica. El proyecto tiene como eje la conversación y exhibición de seis obras monumentales de Lola Mora, escultora argentina reconocida internacionalmente. Los leones, Libertad, Progreso, Trabajo, Paz y Justicia fueron tallados en mármol de Carrara y originalmente concebidos para el Palacio del Congreso Nacional Argentino. Después de más de un siglo expuestas en la intemperie, las piezas cuentan ahora con un espacio diseñado específicamente para su conservación, interpretación y encuentro con el público. Más que concentrase únicamente en salas de exposición, el centro plantea una experiencia cultual amplia. Galerías, espacios de interpretación, biblioteca, restaurante, tienda y áreas para exposiciones temporales y artistas invitados conforman un programa pensado para mantener activo el edificio. El paisaje, desarrollado por Balmori Assiciates, complementa esta visión al preservar las condiciones ecológicas existentes y reforzar la relación entre arquitectura y territorio. La estrategia ambiental forma parte integral del proyecto. Una torre que incorpora 5 aerogeneradores funciona también como hito dentro del paisaje, mientras paneles fotovoltaicos y colectores solares térmicos contribuyen al abastecimiento energético. Lo envolvente de alto desempeño y los sistemas mecánicos eficientes reducen el consumo, y la captación de agua pluvial permite aprovechar el recurso para el riego. Incluso el barranco participa en la estrategia mediante pequeñas presas que ayudan a controlar la escorrentía y la erosión. El Centro Cultural Lola Mora representa también una nueva etapa para Pelli Clarke & Partners; es el primer edificio cultural de la firma en Sudamérica y el último proyecto liderado por su fundador, César Pelli. El resultado encuentra una manera contemporánea de hablar de patrimonio sin aislarlo de su contexto. Piedra de origen local, vegetación existente, topografía y tecnología convergen en una arquitectura que entiende que preservar

El proyecto Flânerie, desarrollado por CN10 architetti, parte de un análisis detallado de Bérgamo para recuperar las relaciones existentes entre sus espacios, recorridos y elementos urbanos. La intervención reorganiza el conjunto del Centro Piacentiniano como un gran parque urbano, reforzando las conexiones entre edificios y espacios públicos que forman parte de la identidad moderna de la ciudad. Uno de los principales objetivos fue ordenar una zona afectada por la superposición de recorridos y flujos vehiculares. Para ello, el proyecto depura las circulaciones y recupera las trazas existentes como estructura para una nueva red peatonal, donde pequeñas intervenciones permiten relacionar monumentos, plazas y edificios sin alterar su presencia.     La transformación también apuesta por recuperar el suelo y mejorar las condiciones ambientales del conjunto. Cerca de la mitad de las superficies que anteriormente estaban cubiertas de asfalto fueron sustituidas por pavimentos de piedra y áreas verdes, incorporando nuevamente sistemas naturales de drenaje y ampliando la presencia de vegetación dentro del centro urbano.   Los nuevos parterres no buscan imponer una geometría ajena al contexto, sino aprovechar las trazas acumuladas a lo largo del tiempo. El pozo de Piazza Dante, la alfombra de piedra del Teatro y los espacios verdes bajo los castaños de Indias del Sentierone se convierten en puntos de referencia para construir una intervención que combina paisaje, memoria y espacio público. El resultado es una intervención de escala contenida que establece nuevas relaciones entre el Quadriportico, la iglesia de San Bartolomeo, el Teatro Donizetti, la Torre dei Caduti y los demás edificios del Centro Piacentiniano. Entre piedra y vegetación, el proyecto recupera una idea de ciudad donde los recorridos y el paisaje vuelven a formar parte de la experiencia cotidiana. Referencia: Centro Piacentiniano / CN10 architetti | ArchDaily en Español

La estación Pakenham transforma el concepto de infraestructura ferroviaria al convertirse en un nuevo punto de encuentro para la comunidad. Como parte del Proyecto de Eliminación de Pasos a Nivel de Victoria, la intervención sustituye tres cruces ferroviarios y crea un corredor elevado que mejora la movilidad mientras reconecta distintos sectores urbanos mediante nuevos espacios públicos. El proyecto reúne servicios ferroviarios, terminal de autobuses, estacionamiento, infraestructura ciclista y recorridos peatonales en un mismo sistema. Al elevar las vías, también libera más de 20,000 metros cuadrados bajo el viaducto para parques, plazas y senderos, fortaleciendo la relación entre la estación, el centro de Pakenham y su entorno inmediato. La cubierta ondulada, inspirada en el paisaje del oeste de Gippsland, define la identidad arquitectónica del conjunto y favorece una experiencia abierta y confortable. La estación prescinde de cerramientos innecesarios para aprovechar la iluminación natural, la ventilación cruzada y la visibilidad continua, mejorando la seguridad de los usuarios y reduciendo el consumo energético. La cubierta ondulada, inspirada en el paisaje del oeste de Gippsland, define la identidad arquitectónica del conjunto y favorece una experiencia abierta y confortable. La estación prescinde de cerramientos innecesarios para aprovechar la iluminación natural, la ventilación cruzada y la visibilidad continua, mejorando la seguridad de los usuarios y reduciendo el consumo energético. La propuesta incorpora soluciones constructivas de alta precisión, como un sistema de cubierta ligera fabricado digitalmente que reduce el uso de acero y la huella de carbono. A ello se suman paneles solares, estrategias de captación y gestión del agua, infraestructura para movilidad activa y materiales reciclados, consolidando un modelo de infraestructura más eficiente y responsable. El desarrollo integra la participación del pueblo Bunurong mediante referencias culturales presentes en la arquitectura y el paisaje, fortaleciendo el vínculo entre el espacio público y la historia del territorio. Más allá de resolver necesidades de transporte, la estación Pakenham demuestra cómo la infraestructura contemporánea puede generar valor urbano, ambiental y social para las comunidades que la habitan. Referencia: Pakenham Station / Genton | ArchDaily

Diseñado por Studio Caspar Schols, De-Vice propone una experiencia donde la arquitectura cambia con el movimiento de quien la habita. Concebido como un espacio de meditación cinético, el proyecto invita a abrir gradualmente su envolvente para establecer una conexión progresiva entre el interior y el paisaje. La experiencia comienza al accionar un sistema de pedales que desplaza lentamente el cerramiento en direcciones opuestas. Más que modificar la estructura, este gesto transforma la percepción del entorno, convirtiendo el movimiento del cuerpo en el elemento que define la relación entre arquitectura, naturaleza y contemplación. Elevada sobre una estructura de acero, la cámara principal está revestida con cerca de 3,000 láminas de pan de oro que reflejan la luz de manera cambiante a lo largo del día. La intervención artesanal, realizada completamente a mano, refuerza la intención del proyecto de vincular el proceso constructivo con la atención plena y el momento presente. La estructura se apoya sobre grandes rocas inspiradas en los hunebedden, antiguos monumentos megalíticos de los Países Bajos asociados con rituales y espacios de contemplación. Esta referencia conecta la propuesta contemporánea con una tradición ancestral donde la arquitectura ha servido como escenario para la introspección. Más que un pabellón, De-Vice plantea una reflexión sobre la relación entre cuerpo, espacio y paisaje. Al transformar la apertura, la luz y el movimiento en parte esencial de la experiencia, el proyecto demuestra cómo la arquitectura puede convertirse en una herramienta para redescubrir el entorno y la percepción del tiempo. Referencia: Espacio de Meditación Kinético De-Vice / Studio Caspar Schols | ArchDaily en Español

La nueva sede mundial de Sotheby’s, ubicada en el emblemático edificio Breuer de Nueva York, marca el inicio de una nueva etapa para uno de los referentes de la arquitectura moderna. El proyecto, desarrollado por Herzog & de Meuron en colaboración con PBDW Architects, conserva la esencia del diseño original de Marcel Breuer mientras adapta el inmueble a las necesidades actuales de la casa de subastas. La intervención parte de una estrategia de mínimos cambios, respetando elementos icónicos como los pisos de piedra azul, los techos de concreto, la escalera escultórica y diversos acabados originales. Al mismo tiempo, incorpora mejoras en accesibilidad, flexibilidad y funcionalidad para ofrecer una experiencia más contemporánea sin perder el carácter histórico del edificio. El proyecto incorpora galerías de última generación, salas de subastas flexibles y áreas destinadas a exposiciones temporales que amplían las posibilidades del inmueble. También integra un nuevo restaurante desarrollado junto a Roman and Williams, reforzando la vocación del edificio como un punto de encuentro para el arte, el diseño y la cultura. Además de recuperar distribuciones originales y liberar espacios antes destinados a oficinas, la renovación incorpora nuevos sistemas de iluminación y climatización que mejoran el desempeño del edificio. La iluminación exterior también fue replanteada para devolver protagonismo a la arquitectura sobre la Avenida Madison. Más que una actualización funcional, la nueva sede de Sotheby’s demuestra que la preservación arquitectónica puede impulsar nuevas formas de habitar edificios históricos. La intervención equilibra respeto por el legado de Marcel Breuer con soluciones contemporáneas que aseguran la vigencia de este ícono para las próximas generaciones. Referencia: Sede mundial de Sotheby’s en el edificio Breuer / Herzog & de Meuron + PBDW Architects | ArchDaily en Español

Ubicada sobre un barranco en la costa de Santo Domingo, Chile, Casa Illapangui del Peumo replantea la vivienda familiar como un pequeño conjunto arquitectónico. En lugar de concentrar todos los espacios en un solo volumen, el proyecto organiza sus funciones en torno a una calle de patio abierto que conecta los diferentes ambientes y enmarca una vista puntual hacia el océano Pacífico. La vivienda se compone de tres edificios con funciones específicas: un volumen social, otro destinado a las habitaciones y un tercero para las áreas de servicio. Patios, recorridos y espacios intermedios articulan el conjunto, generando distintas atmósferas y permitiendo que cada espacio establezca una relación propia con el paisaje y la luz natural. Uno de los rasgos más distintivos del proyecto es la reutilización de madera proveniente de una casa de colonos alemanes construida en 1900. Piezas de laurel y roble fueron desmontadas, trasladadas y reincorporadas en pisos, cubiertas, vigas y mobiliario, integrando un sistema constructivo cargado de historia que dialoga con la arquitectura contemporánea de mampostería estucada. Un boldo nativo existente se convierte en el centro de la composición. La cubierta principal modifica su geometría para rodear el árbol e incorporarlo visualmente al interior, mientras que la calle-patio dirige la mirada hacia el mar mediante un único eje visual. El paisaje deja de ser un fondo para convertirse en un elemento activo del recorrido y la experiencia espacial. Casa Illapangui del Peumo demuestra que la arquitectura doméstica puede inspirarse en la lógica de una ciudad. La combinación de patios, volúmenes independientes y materiales recuperados crea un hogar flexible, cálido y profundamente conectado con el territorio, donde cada espacio ofrece una forma distinta de habitar el paisaje costero. Fuente: Casa Illapangui del Peumo / Vergara Arquitectos | ArchDaily

Diseñado por Kohn Pedersen Fox (KPF) para Hang Lung Properties, Westlake 66 redefine el desarrollo de usos mixtos al convertir la arquitectura en una extensión del espacio público. Ubicado en Hangzhou, China, el complejo establece un nuevo corredor urbano entre dos de los grandes referentes de la ciudad: el Lago del Oeste, declarado Patrimonio Mundial por la UNESCO, y el histórico Gran Canal. Inspirado en la pintura «Morando en las montañas Fuchun» de Huang Gongwang, el proyecto traslada los principios del paisaje tradicional chino a una propuesta contemporánea de escala urbana. Más que un conjunto de edificios independientes, Westlake 66 se concibe como un paisaje construido. El desarrollo integra cinco torres de oficinas, un hotel boutique, parques públicos y un podio comercial articulados mediante una composición escalonada que permite la entrada de luz natural y mejora la relación entre los edificios. En el centro del proyecto se encuentra el Sky Park, un recorrido ajardinado de 400 metros que conecta todos los programas y ofrece vistas hacia las montañas y los principales hitos de Hangzhou, elevando la experiencia peatonal por encima del nivel de la ciudad. Para definir la forma final del complejo, KPF recurrió a herramientas de modelado computacional, evaluando miles de configuraciones posibles con base en criterios como asoleamiento, sombras, confort ambiental, vistas y desempeño comercial. El resultado es una arquitectura donde la eficiencia y la experiencia del usuario evolucionan de manera conjunta. Uno de sus elementos más distintivos es la Urban Cell Wall, una fachada modular adaptable compuesta por aluminio, terracota esmaltada y paneles intercambiables que permite responder a futuros cambios de uso sin alterar la identidad del conjunto. Además de su apuesta por la innovación urbana, Westlake 66 incorpora una estrategia ambiental respaldada por algunas de las certificaciones más exigentes del sector. El complejo obtuvo la certificación China Green Building de 3 estrellas, BREEAM Excellent y WELL Platinum, mientras que dos de sus torres alcanzaron LEED Platinum y otras cuatro LEED Gold. Con esta propuesta, KPF demuestra que la arquitectura de gran escala puede combinar tecnología, paisaje y espacio público para construir ciudades más habitables, conectadas y

Diseñada por AtelierM, Casa GP es una vivienda de 320 m², construida en 2026 en Tigre, Argentina, que nace de la relación entre dos elementos que definen el sitio: la curva de la esquina urbana y la laguna ubicada al fondo del terreno. A partir de esta condición, el proyecto desarrolla una geometría en espiral que organiza la vivienda, guía el recorrido y construye una forma de habitar donde la arquitectura responde continuamente al paisaje y a las visuales del entorno. La vivienda adopta una actitud contenida hacia la calle, privilegiando la privacidad mediante fachadas más cerradas. En contraste, se despliega gradualmente hacia el interior del lote para aprovechar la luz natural, el jardín y las vistas a la laguna. En el corazón del proyecto se ubica un patio con un espejo de agua que introduce el paisaje dentro de la casa y actúa como punto de partida para un recorrido ascendente que conecta a los distintos niveles mediante terrazas y espacios de contemplación. La organización interior transforma la relación con el paisaje conforme se avanza por la vivienda. En planta baja, las áreas sociales se extienden hacia el jardín y el borde de la laguna, mientras que en el nivel superior las vistas se elevan para capturar una perspectiva más amplia del entorno. El recorrido en espiral no solo articula la circulación, sino que modifica la percepción de la luz, la escala y las visuales, convirtiendo el desplazamiento en una experiencia arquitectónica continua. La propuesta material refuerza la fluidez del proyecto mediante el uso del hormigón, concebido como una superficie continua que acompaña las curvas de la arquitectura y dialoga con el movimiento del agua. Grandes planos de vidrio abren los espacios hacia el exterior, difuminando los límites entre interior y paisaje. Con Casa GP, AtelierM plantea una vivienda donde la arquitectura deja de entenderse como un objeto estático para convertirse en una experiencia que evoluciona a través del recorrido, la luz y la naturaleza. Fuente: Casa GP / AtelierM | ArchDaily en Español

Ubicado sobre una colina con vistas a la bahía de Kola, en Murmansk, Rusia, Kola Bay Lighthouse Viewpoint transforma un mirador en un nuevo punto de encuentro para la comunidad. Desarrollado por Evgeny Makarenko Timber Architecture Workshop y comisionado por el Gobierno Regional de Murmansk como parte del programa Living in the North, el proyecto propone una infraestructura ligera que conecta a los habitantes con el paisaje ártico desde una intervención respetuosa con el entorno. La silueta del mirador toma como referencia los faros costeros y las grúas portuarias que forman parte de la identidad visual de Murmansk. Sin reproducir estas estructuras de manera literal, el proyecto traduce su geometría en una composición contemporánea de escala humana, donde la fuerza de las formas industriales se equilibra con la calidez de los materiales naturales y una experiencia espacial orientada a la contemplación.     Toda la estructura se resuelve mediante un sistema constructivo en madera, minimizando el uso de fijaciones metálicas para responder a las condiciones climáticas extremas de la región. Más que un recurso estético, el material se convierte en el elemento que define la identidad del proyecto, demostrando su capacidad para ofrecer resistencia, precisión constructiva y un bajo impacto ambiental incluso en uno de los entornos más exigentes del planeta. El recorrido incorpora terrazas y plataformas de observación que ofrecen vistas panorámicas de la bahía durante todo el año, al tiempo que concentran el tránsito de visitantes para preservar la vegetación característica de la ladera, especialmente los delicados musgos árticos. Con este proyecto, Evgeny Makarenko Timber Architecture Workshop demuestra que una intervención de pequeña escala puede convertirse en un referente paisajístico, integrando arquitectura, naturaleza y memoria local en una experiencia de contemplación y respeto por el entorno. Fuente: Kola Bay Lighthouse Viewpoint, memoria industrial frente al Ártico – Glocal

El Obama Presidential Center, ubicado en Jackson Park, al sur de Chicago, replantea el concepto tradicional de un museo presidencial al convertirlo en un espacio abierto para la convivencia y la participación ciudadana. Impulsado por The Obama Foundation y diseñado por Tod Williams Billie Tsien Architects, en colaboración con Michael Van Valkenburgh Associates, el complejo ocupa 19.3 acres e integra museo, biblioteca pública, foro, plazas y espacios deportivos en un campus donde arquitectura y paisaje funcionan como una sola experiencia. Más que implantarse sobre el parque, el diseño incorpora a Jackson Park como un elemento esencial de la propuesta. Senderos, jardines y cubiertas verdes conectan los distintos edificios, mientras 3.7 acres de nuevas áreas verdes y más de tres millas de caminos peatonales fortalecen el carácter público del conjunto. Esta estrategia convierte al campus en una extensión natural del parque, invitando a recorrerlo incluso más allá de sus espacios expositivos. El recorrido museográfico narra la historia de Barack y Michelle Obama mediante archivos, piezas históricas, instalaciones interactivas y una réplica de la Oficina Oval. Sin embargo, el proyecto trasciende la memoria presidencial para promover una reflexión sobre el papel de cada persona en la vida democrática. La experiencia busca transformar al visitante en un participante activo, vinculando el pasado con los desafíos del presente y el futuro. El campus también incorpora una sólida estrategia ambiental y cultural. Además de integrar 28 obras de arte creadas por 30 artistas, muchas de ellas accesibles sin costo dentro del parque, el complejo fue diseñado para operar sin combustibles fósiles en su funcionamiento diario. Sistemas geotérmicos de climatización, captación de agua, vegetación nativa y vidrio especializado para proteger a las aves migratorias refuerzan una visión donde sostenibilidad, comunidad y espacio público se convierten en parte esencial de la arquitectura. Fuente:  Obama Presidential Center: memoria y paisaje cívico – Glocal

El estudio checo Facha Architekti firma The Box in the Barn, un proyecto que demuestra cómo la arquitectura contemporánea puede integrarse al patrimonio sin alterar su esencia. La intervención consiste en insertar un nuevo volumen habitable dentro de un granero existente, conservando intacta su estructura original y estableciendo un diálogo respetuoso entre la memoria del lugar y una nueva forma de habitar. Lejos de competir con la construcción preexistente, el nuevo refugio retoma la silueta tradicional del granero y la reinterpreta mediante una estructura ligera de madera revestida con una fachada de asfalto negro. La propuesta genera un contraste deliberado entre la materialidad rústica del edificio original y la precisión de la nueva pieza, permitiendo que ambos lenguajes arquitectónicos convivan con claridad y equilibrio. La distribución interior responde a un eje visual que atraviesa el granero desde la antigua zona de trilla hasta un jardín de manzanos y el paisaje abierto. Esta relación define la ubicación de la gran ventana panorámica, la mesa del comedor y los espacios principales. En el interior predominan materiales como el contrachapado de abedul y el MDF teñido en negro, una selección sobria que pone en valor la construcción y la calidez natural de la madera. Desarrollado con una estructura ligera de entramado KVH, aislamiento térmico y calefacción por suelo radiante, el refugio puede utilizarse durante todo el año, mientras el granero actúa como una envolvente protectora frente a las condiciones climáticas. Con The Box in the Barn, Facha Architekti plantea una estrategia de reutilización donde la sostenibilidad no depende de reemplazar lo existente, sino de adaptarlo con sensibilidad para prolongar su vida y escribir un nuevo capítulo sin borrar su historia. Fuente:  The Box in the Barn; un granero convertido en refugio – Glocal

El diseñador Ahmad Eghtesad presentó Baobab Waterfall, un proyecto conceptual desarrollado para el concurso de la Fundación Jacques Rougerie que propone una infraestructura flotante capaz de responder a algunos de los principales retos de Madagascar. La iniciativa busca integrar energía renovable, desarrollo económico, rehabilitación social y turismo ecológico en un solo complejo, ofreciendo una visión donde la arquitectura funciona como herramienta de transformación. El diseño toma como referencia el baobab, árbol emblemático de Madagascar, reinterpretando su robusta silueta en una estructura monumental que alberga áreas administrativas y residenciales. Uno de sus elementos más distintivos es un sistema circular de cascadas marinas artificiales, concebido para conducir el agua del océano hacia turbinas de generación eléctrica. Además de producir energía limpia, esta infraestructura protege un amplio jardín tropical central, pensado como un nuevo espacio para el ecoturismo y la conservación del paisaje. La propuesta incorpora un enfoque social al plantear un centro de rehabilitación donde personas privadas de la libertad puedan participar en programas de capacitación agrícola. A través de invernaderos distribuidos en distintos niveles, los usuarios aprenderían técnicas de cultivo y producción que favorezcan su reinserción laboral, convirtiendo la arquitectura en un catalizador para generar nuevas oportunidades y fortalecer el desarrollo comunitario. El proyecto también contempla una cúpula submarina construida con vidrio de alta resistencia que permitiría observar los arrecifes de coral y la biodiversidad marina sin alterar los ecosistemas. A largo plazo, Baobab Waterfall podría evolucionar hacia un centro público dedicado al ecoturismo y la producción de energía renovable. Aunque permanece como una propuesta conceptual, el proyecto plantea una reflexión sobre el potencial de la arquitectura para integrar innovación, sostenibilidad e impacto social en un mismo territorio. Fuente: floating waterfall power plant generates renewable energy off madagascar

La cabaña “Between the Rock and the River”, diseñada por el estudio checo Mimosa Architekti, se presenta como un refugio contemporáneo que explora el equilibrio entre la arquitectura, la memoria del lugar y un entorno natural profundamente dominante. El proyecto se ubica a orillas del río Sázava, en la República Checa, en un sitio marcado por una fuerte dualidad paisajística: el agua en un frente y las formaciones rocosas en el otro. Reconstrucción sobre la memoria: la antigua cabaña como punto de partida La intervención arquitectónica parte de una condición previa significativa: una antigua cabaña destruida por un incendio, de la cual solo permanecía una base de piedra. En lugar de borrar este vestigio, el nuevo diseño lo integra como elemento estructural y simbólico, convirtiéndolo en el punto de partida del proyecto. Sobre esta base sólida se levanta una estructura ligera de madera que busca coexistir con el paisaje sin imponerse sobre él. Materialidad contemporánea: madera, piedra y metal en equilibrio El proyecto se desarrolla a partir de una lógica material clara y contenida. El volumen principal está construido con madera, mientras que el exterior utiliza revestimientos de madera carbonizada que aportan durabilidad y una estética sobria, además de reforzar la relación conceptual con el fuego que dio origen a la transformación del sitio. En contraste, hacia la parte posterior, la construcción incorpora elementos metálicos que protegen la vivienda de las condiciones del terreno y del agua. Interior cálido y continuo: una experiencia de refugio envolvente El interior se concibe como un espacio continuo y envolvente, casi “cavernoso”, donde los materiales naturales dominan la atmósfera. La madera en tonos cálidos y los elementos metálicos en negro generan una sensación unificada, reduciendo la fragmentación espacial y reforzando la idea de un refugio compacto y coherente. La distribución privilegia un gran espacio común de convivencia, mientras que las áreas de descanso se reducen a volúmenes más pequeños y contenidos en niveles superiores. Arquitectura abierta al paisaje: vistas al río Sázava Uno de los aspectos más destacados del proyecto es la relación directa con el paisaje. Grandes superficies acristaladas abren la vivienda hacia

Durante la Semana del Diseño de Milán 2026, la arquitecta Lina Ghotmeh presentó Metamorphosis in Motion, una instalación inmersiva que transformó el histórico patio del Palazzo Litta en un laberinto contemporáneo de color rosa. Arquitectura viva: más que espacio, experiencia Diseñado como pieza central de la exposición MoscaPartners Variations, el proyecto propone una experiencia espacial donde el movimiento, la memoria y la interacción humana se convierten en los verdaderos materiales de la arquitectura. Recorrer, descubrir, habitar La instalación, compuesta por estructuras modulares dispuestas en forma de laberinto, guía a los visitantes a través de recorridos cambiantes que revelan distintas perspectivas del espacio. Más que un objeto estático, el proyecto invita a recorrerlo, habitarlo y descubrirlo de manera gradual. Un respiro dentro del caos creativo Lejos de buscar solo impacto visual, Ghotmeh apostó por generar una pausa dentro del ritmo acelerado del evento. El espacio incluye zonas para descanso, conversación, meditación e incluso experiencias sensoriales como aromas inspirados en paisajes del Líbano, creando un ambiente de conexión emocional. Metamorfosis: del tránsito a la convivencia El concepto de “metamorfosis” se manifiesta en la transformación del patio: de un lugar de paso a un espacio colectivo activo. Así, la obra evoluciona constantemente con la presencia y participación de los visitantes, convirtiéndose en un ecosistema social temporal. Arquitectura efímera, impacto permanente En un contexto saturado de estímulos como la Semana del Diseño, Metamorphosis in Motion destaca por ofrecer un refugio arquitectónico que prioriza la experiencia humana, demostrando cómo la arquitectura efímera puede dejar una huella duradera en la memoria colectiva. Fuente: www.archilovers.com

La arquitectura residencial de alta gama continúa evolucionando hacia propuestas más integradas con el entorno, sostenibles y visualmente impactantes. En ese contexto surge Nightingale, una espectacular vivienda diseñada por la firma sudafricana SAOTA en las exclusivas Bird Streets de Los Angeles. Este proyecto combina diseño contemporáneo, innovación arquitectónica y una estrecha relación con el paisaje urbano y natural de la ciudad. Ubicada sobre Sunset Boulevard, la residencia representa una nueva interpretación de la arquitectura moderna en laderas, donde las vistas panorámicas, la privacidad y la conexión con el exterior son protagonistas absolutos. Arquitectura contemporánea integrada al paisaje Uno de los aspectos más destacados de Nightingale es su capacidad para integrarse de manera orgánica con la topografía de las colinas de Los Ángeles. La vivienda fue concebida para adaptarse al terreno inclinado, aprovechando al máximo las visuales hacia la ciudad sin sacrificar privacidad. El proyecto se encuentra parcialmente incrustado en la ladera, mientras que su cubierta vegetal funciona como una extensión natural del paisaje. Esta solución arquitectónica no solo reduce el impacto visual de la construcción, sino que también crea una transición fluida entre arquitectura y naturaleza. Un techo verde que redefine la fachada En lugar de concebir el techo únicamente como un elemento funcional, SAOTA lo transforma en uno de los componentes más emblemáticos del proyecto. La cubierta ajardinada actúa como fachada, paisaje y elemento escultórico al mismo tiempo. Gracias a esta estrategia, la vivienda logra mantener una imagen discreta desde la calle, mientras que hacia el interior se abre completamente hacia las vistas urbanas y el entorno natural. Este enfoque refleja una tendencia creciente en la arquitectura contemporánea: edificios más sostenibles y conectados con el medio ambiente. Diseño interior y exterior sin límites La experiencia espacial de Nightingale gira alrededor del concepto de “indoor-outdoor living”, una filosofía arquitectónica muy presente en las residencias de lujo de California. Amplios ventanales de piso a techo, terrazas abiertas y grandes voladizos permiten que los espacios interiores y exteriores se fusionen visualmente. La cocina, las áreas sociales y la suite principal fueron orientadas estratégicamente para maximizar la entrada de luz natural y las

La cuenta regresiva para la edición 64 del Salone del Mobile.Milano ya comenzó. Del 21 al 26 de abril de 2026, el recinto de Rho Fiera Milano será nuevamente el escenario del evento más influyente del diseño de interiores y mobiliario a nivel global. Con más de 1,900 expositores provenientes de 32 países y un espacio completamente ocupado de 169,000 metros cuadrados, la feria reafirma su масшиву y relevancia internacional. Más allá de ser una exposición, el Salone se consolida como una plataforma estratégica que articula cultura, negocio e innovación, reforzando el papel de Milán como capital del diseño contemporáneo. Un evento que trasciende la feria En 2026, el Salone fortalece su relación con la ciudad de Milán, expandiéndose más allá del recinto ferial. La inauguración estará marcada por un concierto en el Teatro alla Scala, mientras que más de 200 showrooms abrirán sus puertas al público, integrando toda la ciudad en la experiencia del diseño. Además, se presenta una nueva línea estratégica: Salone Contract, una iniciativa enfocada en sectores como hospitalidad, retail y desarrollo inmobiliario. Aunque su debut formal será en 2027, este año se introduce mediante conferencias y foros internacionales en colaboración con OMA, explorando nuevas dinámicas del diseño aplicado a gran escala. Nuevas propuestas y exposiciones clave El programa 2026 incluye el regreso de dos exposiciones fundamentales: EuroCucina, que abordará la cocina como un espacio tecnológico impulsado por inteligencia artificial y diseño biofílico. La Exposición Internacional del Baño, enfocada en conceptos de bienestar, longevidad y experiencias tipo spa en el hogar. A esto se suma el debut de Salone Raritas, una nueva plataforma dedicada al diseño de colección. Curada por Annalisa Rosso y diseñada por Formafantasma, esta sección reunirá piezas únicas y ediciones limitadas provenientes de 25 galerías internacionales, integrando el diseño collectible dentro del circuito principal de la feria. Nuevas generaciones y el futuro del diseño El SaloneSatellite celebra su 27ª edición reafirmando su papel como semillero de talento emergente. En esta ocasión, reunirá a más de 700 diseñadores menores de 35 años y 23 escuelas internacionales. El enfoque estará en la relación entre artesanía e

En Brasil, el estudio Felipe Caboclo Arquitetura ha completado un proyecto singular: una capilla de apenas 10 m² pensada como un espacio de contemplación, reflexión y fe dentro de un entorno familiar. La propuesta, ubicada en un terreno rural de Itu, São Paulo, surge como una extensión emocional de Nest House, una residencia diseñada para una pareja que buscaba un refugio donde reunir a sus hijos y nietos. El origen espiritual del proyecto La idea de la capilla nació durante el diseño de la casa principal; los propietarios querían un lugar específico para la oración y la meditación. Tras descartar propuestas más convencionales, como muebles o anexos, decidieron aprovechar un terreno vecino que permanecía sin uso, transformándolo en un destino espiritual. Arquitectura como experiencia contemplativa Más allá de su pequeña escala, Nest Chapel está concebida como una experiencia arquitectónica cuidadosamente elaborada. Dos muros de concreto curvados se elevan desde el suelo, articulando un recorrido que guía al visitante a través de un gesto casi litúrgico hacia el espacio principal de oración. Esta disposición crea una secuencia espacial que invita a la pausa, la reflexión y la conexión con el entorno. Influencias artísticas y lenguaje arquitectónico El diseño incorpora influencias de maestros como Tadao Ando y el lenguaje escultórico de Richard Serra, aunque suavizadas y reinterpretadas para adaptarse al paisaje rural. Las curvas, la textura del concreto y la relación entre luz, materia y forma trabajan juntas para generar una atmósfera contemplativa que trasciende la función pura del edificio. Materiales que evocan sensaciones y simbolismo La elección de materiales también responde a una intención sensorial y simbólica: el concreto muestra la huella de la madera que lo moldeó, evocando capas geológicas del terreno, mientras que la madera laminada interior y los acabados en granito negro generan un equilibrio entre calidez y sobriedad. Las superficies acristaladas garantizan vistas hacia el jardín, y la circulación exterior se completa con un sendero de lavanda, creando una experiencia sensorial que integra aroma, movimiento y paisaje. Un gesto discreto hacia lo sagrado Para sus creadores, Nest Chapel no busca imponerse como monumento, sino más bien manifestar

En la localidad de Šeduva, Lituania, se desarrolla The Lost Shtetl, un museo y memorial concebido para preservar y transmitir la memoria de las comunidades judías que habitaron Europa del Este antes de la Segunda Guerra Mundial. Más allá de un espacio expositivo tradicional, el proyecto busca reconstruir la vida cotidiana, las tradiciones y la identidad cultural de los antiguos shtetls, pequeños asentamientos que durante siglos formaron parte esencial del tejido social de la región. Arquitectura que recrea un pueblo vivo El proyecto arquitectónico, diseñado por el estudio finlandés Lahdelma & Mahlamäki Architects, se aleja de la idea de un edificio único y apuesta por una composición fragmentada. El museo se organiza como un conjunto de volúmenes independientes que reinterpretan las casas tradicionales, con cubiertas inclinadas y escalas domésticas, evocando la configuración de un pueblo. Esta estrategia permite que el visitante experimente el recorrido como una inmersión espacial, transitando entre distintas estructuras que albergan salas de exposición, espacios educativos y áreas de encuentro. Una narrativa que se siente y se vive La arquitectura se integra estrechamente con la narrativa museográfica, donde cada elemento contribuye a contar una historia. A través de instalaciones audiovisuales, paisajes sonoros y recursos interactivos, el museo recrea escenas de la vida cotidiana —desde mercados hasta prácticas religiosas— generando una experiencia sensorial que busca conectar emocionalmente al visitante con un mundo desaparecido. El paisaje como espacio de reflexión El conjunto se complementa con un parque memorial que extiende la experiencia hacia el paisaje. Diseñado como un espacio de contemplación, incorpora senderos, praderas y elementos naturales que remiten a la memoria del lugar y a los acontecimientos trágicos ocurridos en la región durante 1941. Este recorrido exterior refuerza el carácter reflexivo del proyecto, estableciendo un vínculo entre historia, territorio y recuerdo. Memoria, arquitectura y legado cultural En conjunto, The Lost Shtetl se posiciona como una propuesta que combina arquitectura contemporánea, paisaje y narrativa para rescatar una historia marcada por la pérdida, pero también por la riqueza cultural de una comunidad que dejó una profunda huella en Europa. Más que un museo, se trata de un ejercicio de reconstrucción

El nuevo Glasshouse Theatre, desarrollado por los estudios Blight Rayner Architecture y Snøhetta, se suma al complejo Queensland Performing Arts Centre (QPAC) como un espacio escénico de gran escala que refuerza la infraestructura cultural de Brisbane. Un espacio versátil para las artes escénicas Con capacidad para aproximadamente 1,500 espectadores, el teatro fue concebido para albergar una amplia gama de disciplinas, desde ópera, teatro y danza hasta producciones contemporáneas de gran formato. Su diseño incorpora tecnología escénica avanzada y una configuración flexible que permite adaptarse a distintos tipos de montajes, incluyendo un foso orquestal transformable. Una fachada inspirada en el entorno natural Uno de los elementos más distintivos del proyecto es su fachada de vidrio ondulado, una envolvente translúcida que evoca el movimiento del río Brisbane y establece una relación visual dinámica entre el interior del edificio y su entorno urbano. Este sistema no solo aporta identidad al conjunto, sino que también contribuye al control de la luz natural y al desempeño ambiental del inmueble. Calidez y calidad espacial en el interior En el interior, el teatro apuesta por una atmósfera cálida y envolvente mediante el uso de materiales como la madera, generando una experiencia más cercana entre el público y el escenario. La disposición espacial prioriza la visibilidad y la acústica, elementos clave para garantizar la calidad de las presentaciones. Integración de identidad y memoria cultural El proyecto también incorpora referencias culturales locales, integrando elementos que reconocen la historia y las comunidades originarias de la región. Esta dimensión simbólica refuerza el papel del edificio como un espacio no solo para las artes, sino también para la identidad cultural. Consolidación del QPAC como referente internacional Con la incorporación del Glasshouse Theatre, el QPAC consolida su posición como uno de los complejos de artes escénicas más importantes de Australia, ampliando su capacidad para recibir producciones internacionales y atraer a nuevos públicos, al tiempo que impulsa el desarrollo cultural de la ciudad. Fuente: www.archdaily.mx