Internacionales

La cabaña “Between the Rock and the River”, diseñada por el estudio checo Mimosa Architekti, se presenta como un refugio contemporáneo que explora el equilibrio entre la arquitectura, la memoria del lugar y un entorno natural profundamente dominante. El proyecto se ubica a orillas del río Sázava, en la República Checa, en un sitio marcado por una fuerte dualidad paisajística: el agua en un frente y las formaciones rocosas en el otro. Reconstrucción sobre la memoria: la antigua cabaña como punto de partida La intervención arquitectónica parte de una condición previa significativa: una antigua cabaña destruida por un incendio, de la cual solo permanecía una base de piedra. En lugar de borrar este vestigio, el nuevo diseño lo integra como elemento estructural y simbólico, convirtiéndolo en el punto de partida del proyecto. Sobre esta base sólida se levanta una estructura ligera de madera que busca coexistir con el paisaje sin imponerse sobre él. Materialidad contemporánea: madera, piedra y metal en equilibrio El proyecto se desarrolla a partir de una lógica material clara y contenida. El volumen principal está construido con madera, mientras que el exterior utiliza revestimientos de madera carbonizada que aportan durabilidad y una estética sobria, además de reforzar la relación conceptual con el fuego que dio origen a la transformación del sitio. En contraste, hacia la parte posterior, la construcción incorpora elementos metálicos que protegen la vivienda de las condiciones del terreno y del agua. Interior cálido y continuo: una experiencia de refugio envolvente El interior se concibe como un espacio continuo y envolvente, casi “cavernoso”, donde los materiales naturales dominan la atmósfera. La madera en tonos cálidos y los elementos metálicos en negro generan una sensación unificada, reduciendo la fragmentación espacial y reforzando la idea de un refugio compacto y coherente. La distribución privilegia un gran espacio común de convivencia, mientras que las áreas de descanso se reducen a volúmenes más pequeños y contenidos en niveles superiores. Arquitectura abierta al paisaje: vistas al río Sázava Uno de los aspectos más destacados del proyecto es la relación directa con el paisaje. Grandes superficies acristaladas abren la vivienda hacia

Durante la Semana del Diseño de Milán 2026, la arquitecta Lina Ghotmeh presentó Metamorphosis in Motion, una instalación inmersiva que transformó el histórico patio del Palazzo Litta en un laberinto contemporáneo de color rosa. Arquitectura viva: más que espacio, experiencia Diseñado como pieza central de la exposición MoscaPartners Variations, el proyecto propone una experiencia espacial donde el movimiento, la memoria y la interacción humana se convierten en los verdaderos materiales de la arquitectura. Recorrer, descubrir, habitar La instalación, compuesta por estructuras modulares dispuestas en forma de laberinto, guía a los visitantes a través de recorridos cambiantes que revelan distintas perspectivas del espacio. Más que un objeto estático, el proyecto invita a recorrerlo, habitarlo y descubrirlo de manera gradual. Un respiro dentro del caos creativo Lejos de buscar solo impacto visual, Ghotmeh apostó por generar una pausa dentro del ritmo acelerado del evento. El espacio incluye zonas para descanso, conversación, meditación e incluso experiencias sensoriales como aromas inspirados en paisajes del Líbano, creando un ambiente de conexión emocional. Metamorfosis: del tránsito a la convivencia El concepto de “metamorfosis” se manifiesta en la transformación del patio: de un lugar de paso a un espacio colectivo activo. Así, la obra evoluciona constantemente con la presencia y participación de los visitantes, convirtiéndose en un ecosistema social temporal. Arquitectura efímera, impacto permanente En un contexto saturado de estímulos como la Semana del Diseño, Metamorphosis in Motion destaca por ofrecer un refugio arquitectónico que prioriza la experiencia humana, demostrando cómo la arquitectura efímera puede dejar una huella duradera en la memoria colectiva. Fuente: www.archilovers.com

La arquitectura residencial de alta gama continúa evolucionando hacia propuestas más integradas con el entorno, sostenibles y visualmente impactantes. En ese contexto surge Nightingale, una espectacular vivienda diseñada por la firma sudafricana SAOTA en las exclusivas Bird Streets de Los Angeles. Este proyecto combina diseño contemporáneo, innovación arquitectónica y una estrecha relación con el paisaje urbano y natural de la ciudad. Ubicada sobre Sunset Boulevard, la residencia representa una nueva interpretación de la arquitectura moderna en laderas, donde las vistas panorámicas, la privacidad y la conexión con el exterior son protagonistas absolutos. Arquitectura contemporánea integrada al paisaje Uno de los aspectos más destacados de Nightingale es su capacidad para integrarse de manera orgánica con la topografía de las colinas de Los Ángeles. La vivienda fue concebida para adaptarse al terreno inclinado, aprovechando al máximo las visuales hacia la ciudad sin sacrificar privacidad. El proyecto se encuentra parcialmente incrustado en la ladera, mientras que su cubierta vegetal funciona como una extensión natural del paisaje. Esta solución arquitectónica no solo reduce el impacto visual de la construcción, sino que también crea una transición fluida entre arquitectura y naturaleza. Un techo verde que redefine la fachada En lugar de concebir el techo únicamente como un elemento funcional, SAOTA lo transforma en uno de los componentes más emblemáticos del proyecto. La cubierta ajardinada actúa como fachada, paisaje y elemento escultórico al mismo tiempo. Gracias a esta estrategia, la vivienda logra mantener una imagen discreta desde la calle, mientras que hacia el interior se abre completamente hacia las vistas urbanas y el entorno natural. Este enfoque refleja una tendencia creciente en la arquitectura contemporánea: edificios más sostenibles y conectados con el medio ambiente. Diseño interior y exterior sin límites La experiencia espacial de Nightingale gira alrededor del concepto de “indoor-outdoor living”, una filosofía arquitectónica muy presente en las residencias de lujo de California. Amplios ventanales de piso a techo, terrazas abiertas y grandes voladizos permiten que los espacios interiores y exteriores se fusionen visualmente. La cocina, las áreas sociales y la suite principal fueron orientadas estratégicamente para maximizar la entrada de luz natural y las

La cuenta regresiva para la edición 64 del Salone del Mobile.Milano ya comenzó. Del 21 al 26 de abril de 2026, el recinto de Rho Fiera Milano será nuevamente el escenario del evento más influyente del diseño de interiores y mobiliario a nivel global. Con más de 1,900 expositores provenientes de 32 países y un espacio completamente ocupado de 169,000 metros cuadrados, la feria reafirma su масшиву y relevancia internacional. Más allá de ser una exposición, el Salone se consolida como una plataforma estratégica que articula cultura, negocio e innovación, reforzando el papel de Milán como capital del diseño contemporáneo. Un evento que trasciende la feria En 2026, el Salone fortalece su relación con la ciudad de Milán, expandiéndose más allá del recinto ferial. La inauguración estará marcada por un concierto en el Teatro alla Scala, mientras que más de 200 showrooms abrirán sus puertas al público, integrando toda la ciudad en la experiencia del diseño. Además, se presenta una nueva línea estratégica: Salone Contract, una iniciativa enfocada en sectores como hospitalidad, retail y desarrollo inmobiliario. Aunque su debut formal será en 2027, este año se introduce mediante conferencias y foros internacionales en colaboración con OMA, explorando nuevas dinámicas del diseño aplicado a gran escala. Nuevas propuestas y exposiciones clave El programa 2026 incluye el regreso de dos exposiciones fundamentales: EuroCucina, que abordará la cocina como un espacio tecnológico impulsado por inteligencia artificial y diseño biofílico. La Exposición Internacional del Baño, enfocada en conceptos de bienestar, longevidad y experiencias tipo spa en el hogar. A esto se suma el debut de Salone Raritas, una nueva plataforma dedicada al diseño de colección. Curada por Annalisa Rosso y diseñada por Formafantasma, esta sección reunirá piezas únicas y ediciones limitadas provenientes de 25 galerías internacionales, integrando el diseño collectible dentro del circuito principal de la feria. Nuevas generaciones y el futuro del diseño El SaloneSatellite celebra su 27ª edición reafirmando su papel como semillero de talento emergente. En esta ocasión, reunirá a más de 700 diseñadores menores de 35 años y 23 escuelas internacionales. El enfoque estará en la relación entre artesanía e

En Brasil, el estudio Felipe Caboclo Arquitetura ha completado un proyecto singular: una capilla de apenas 10 m² pensada como un espacio de contemplación, reflexión y fe dentro de un entorno familiar. La propuesta, ubicada en un terreno rural de Itu, São Paulo, surge como una extensión emocional de Nest House, una residencia diseñada para una pareja que buscaba un refugio donde reunir a sus hijos y nietos. El origen espiritual del proyecto La idea de la capilla nació durante el diseño de la casa principal; los propietarios querían un lugar específico para la oración y la meditación. Tras descartar propuestas más convencionales, como muebles o anexos, decidieron aprovechar un terreno vecino que permanecía sin uso, transformándolo en un destino espiritual. Arquitectura como experiencia contemplativa Más allá de su pequeña escala, Nest Chapel está concebida como una experiencia arquitectónica cuidadosamente elaborada. Dos muros de concreto curvados se elevan desde el suelo, articulando un recorrido que guía al visitante a través de un gesto casi litúrgico hacia el espacio principal de oración. Esta disposición crea una secuencia espacial que invita a la pausa, la reflexión y la conexión con el entorno. Influencias artísticas y lenguaje arquitectónico El diseño incorpora influencias de maestros como Tadao Ando y el lenguaje escultórico de Richard Serra, aunque suavizadas y reinterpretadas para adaptarse al paisaje rural. Las curvas, la textura del concreto y la relación entre luz, materia y forma trabajan juntas para generar una atmósfera contemplativa que trasciende la función pura del edificio. Materiales que evocan sensaciones y simbolismo La elección de materiales también responde a una intención sensorial y simbólica: el concreto muestra la huella de la madera que lo moldeó, evocando capas geológicas del terreno, mientras que la madera laminada interior y los acabados en granito negro generan un equilibrio entre calidez y sobriedad. Las superficies acristaladas garantizan vistas hacia el jardín, y la circulación exterior se completa con un sendero de lavanda, creando una experiencia sensorial que integra aroma, movimiento y paisaje. Un gesto discreto hacia lo sagrado Para sus creadores, Nest Chapel no busca imponerse como monumento, sino más bien manifestar

En la localidad de Šeduva, Lituania, se desarrolla The Lost Shtetl, un museo y memorial concebido para preservar y transmitir la memoria de las comunidades judías que habitaron Europa del Este antes de la Segunda Guerra Mundial. Más allá de un espacio expositivo tradicional, el proyecto busca reconstruir la vida cotidiana, las tradiciones y la identidad cultural de los antiguos shtetls, pequeños asentamientos que durante siglos formaron parte esencial del tejido social de la región. Arquitectura que recrea un pueblo vivo El proyecto arquitectónico, diseñado por el estudio finlandés Lahdelma & Mahlamäki Architects, se aleja de la idea de un edificio único y apuesta por una composición fragmentada. El museo se organiza como un conjunto de volúmenes independientes que reinterpretan las casas tradicionales, con cubiertas inclinadas y escalas domésticas, evocando la configuración de un pueblo. Esta estrategia permite que el visitante experimente el recorrido como una inmersión espacial, transitando entre distintas estructuras que albergan salas de exposición, espacios educativos y áreas de encuentro. Una narrativa que se siente y se vive La arquitectura se integra estrechamente con la narrativa museográfica, donde cada elemento contribuye a contar una historia. A través de instalaciones audiovisuales, paisajes sonoros y recursos interactivos, el museo recrea escenas de la vida cotidiana —desde mercados hasta prácticas religiosas— generando una experiencia sensorial que busca conectar emocionalmente al visitante con un mundo desaparecido. El paisaje como espacio de reflexión El conjunto se complementa con un parque memorial que extiende la experiencia hacia el paisaje. Diseñado como un espacio de contemplación, incorpora senderos, praderas y elementos naturales que remiten a la memoria del lugar y a los acontecimientos trágicos ocurridos en la región durante 1941. Este recorrido exterior refuerza el carácter reflexivo del proyecto, estableciendo un vínculo entre historia, territorio y recuerdo. Memoria, arquitectura y legado cultural En conjunto, The Lost Shtetl se posiciona como una propuesta que combina arquitectura contemporánea, paisaje y narrativa para rescatar una historia marcada por la pérdida, pero también por la riqueza cultural de una comunidad que dejó una profunda huella en Europa. Más que un museo, se trata de un ejercicio de reconstrucción

El nuevo Glasshouse Theatre, desarrollado por los estudios Blight Rayner Architecture y Snøhetta, se suma al complejo Queensland Performing Arts Centre (QPAC) como un espacio escénico de gran escala que refuerza la infraestructura cultural de Brisbane. Un espacio versátil para las artes escénicas Con capacidad para aproximadamente 1,500 espectadores, el teatro fue concebido para albergar una amplia gama de disciplinas, desde ópera, teatro y danza hasta producciones contemporáneas de gran formato. Su diseño incorpora tecnología escénica avanzada y una configuración flexible que permite adaptarse a distintos tipos de montajes, incluyendo un foso orquestal transformable. Una fachada inspirada en el entorno natural Uno de los elementos más distintivos del proyecto es su fachada de vidrio ondulado, una envolvente translúcida que evoca el movimiento del río Brisbane y establece una relación visual dinámica entre el interior del edificio y su entorno urbano. Este sistema no solo aporta identidad al conjunto, sino que también contribuye al control de la luz natural y al desempeño ambiental del inmueble. Calidez y calidad espacial en el interior En el interior, el teatro apuesta por una atmósfera cálida y envolvente mediante el uso de materiales como la madera, generando una experiencia más cercana entre el público y el escenario. La disposición espacial prioriza la visibilidad y la acústica, elementos clave para garantizar la calidad de las presentaciones. Integración de identidad y memoria cultural El proyecto también incorpora referencias culturales locales, integrando elementos que reconocen la historia y las comunidades originarias de la región. Esta dimensión simbólica refuerza el papel del edificio como un espacio no solo para las artes, sino también para la identidad cultural. Consolidación del QPAC como referente internacional Con la incorporación del Glasshouse Theatre, el QPAC consolida su posición como uno de los complejos de artes escénicas más importantes de Australia, ampliando su capacidad para recibir producciones internacionales y atraer a nuevos públicos, al tiempo que impulsa el desarrollo cultural de la ciudad. Fuente: www.archdaily.mx

Et al. abre una nueva etapa con el nombramiento del arquitecto y diseñador Marco Acerbis, ganador del XVIII Premio ADI Compasso d’Oro, como su nuevo Director Artístico. Una marca con pasado y futuro Marco Acerbis describe a Et al. como una «empresa joven e histórica», una acertada paradoja que captura a la perfección la identidad de la marca. Fundada en 1956 como Metalmobil, Et al. celebrará 70 años de experiencia en muebles y sillería en 2026, manteniendo su enfoque especializado en sillas y mesas de alta calidad. Transformación constante como motor de crecimiento «Nuestra capacidad de transformación a lo largo del tiempo refleja nuestra ambición de alcanzar nuevos horizontes», afirma Francesca Tonti, CEO. «Et al. ha reinventado con éxito su identidad y nombre, manteniendo el audaz espíritu de innovación que siempre nos ha definido». Una nueva dirección creativa con visión internacional Esta nueva dirección creativa tiene como objetivo reforzar la proyección internacional de la marca a través de una visión del diseño de producto más definida, con identidad y orientada al futuro. El producto como núcleo del diseño italiano «En mi visión, el producto es el corazón del diseño italiano», afirma Marco Acerbis. La innovación se da en el producto, no solo en su estética, sino también en su excelencia técnica y funcional. Aquí es donde se establecen verdaderamente el valor, la identidad y el reconocimiento de marca. Diseñar para inspirar y conectar Estos principios establecen el punto de partida para la próxima fase de nuestra colaboración: crear colecciones que no solo respondan a necesidades funcionales, sino que también inspiren y generen vínculos genuinos con quienes las utilizan. Et al.: una marca que representa comunidad La marca Et al. está inspirada en la frase latina que significa «y otros». Hoy, este nombre representa una declaración de intenciones: Et al. es a la vez una visión creativa y un ecosistema estructurado; representa identidad y apertura; es una marca de productos, pero sobre todo, una marca de relaciones. Es una comunidad inclusiva: un punto de encuentro para los profesionales de la hostelería y todos los que disfrutan de estos espacios. Fuente: www.et-al.it

Nuevo pabellón y puente en reserva natural de Florida refuerzan modelo de arquitectura sustentable Donde la Infraestructura Respeta el Ecosistema En el sur de Estados Unidos, un proyecto arquitectónico de bajo impacto ambiental está redefiniendo la manera en que se integran infraestructura y conservación ecológica. Se trata del nuevo pabellón interpretativo y puente peatonal construidos en el Fakahatchee Strand Preserve State Park, la reserva natural más extensa y menos intervenida del estado de Florida. Acceso Público sin Sacrificar Biodiversidad El proyecto, presentado por David Corban Architects y difundido por la plataforma especializada Archello, forma parte de un plan estratégico para mejorar el acceso público al parque sin alterar su frágil ecosistema, caracterizado por extensos pantanos de cipreses, humedales y una biodiversidad única en Norteamérica. Arquitectura que Resiste el Clima Extremo La intervención arquitectónica incluye un pabellón elevado sobre pilotes y un puente peatonal que conecta el área de estacionamiento con senderos y pasarelas internas. La estructura fue diseñada para adaptarse a las condiciones climáticas extremas de la región, donde huracanes, inundaciones estacionales e incendios forman parte del ciclo natural del ecosistema. Materiales Inteligentes para un Impacto Mínimo Para minimizar el impacto ambiental, se utilizaron materiales duraderos y reciclables, como acero estructural resistente a la corrosión. Además, el diseño permite que la luz solar, el agua y la vegetación fluyan libremente por debajo de las estructuras elevadas, evitando alteraciones significativas en el suelo y en los procesos naturales del humedal. Una Experiencia Renovada para el Visitante Antes de esta modernización, el acceso público se limitaba principalmente a una pasarela histórica construida en la década de 1960. Con la nueva infraestructura, el parque amplía significativamente la experiencia del visitante, ofreciendo espacios de observación, descanso e interpretación ambiental. Educación Ambiental y Accesibilidad Universal El pabellón funciona como punto de bienvenida y orientación, proporcionando información sobre la flora y fauna locales, incluyendo especies emblemáticas como la pantera de Florida, aves migratorias y orquídeas silvestres. Asimismo, el diseño contempla accesibilidad universal, permitiendo que personas con movilidad reducida puedan recorrer parte del entorno natural de manera segura. Diseño que Dialoga con el Paisaje Más allá de

El estudio valenciano Fran Silvestre Arquitectos ha presentado en Campolivar, Valencia (España) un nuevo prototipo de vivienda residencial llamado NIU N230, concebido con un enfoque centrado en la arquitectura circular y sostenible. Esta propuesta forma parte de un sistema de construcción modular y ensamblado, orientado a transformar la manera en que se diseñan y construyen las casas contemporáneas al priorizar precisión, eficiencia y reutilización de materiales a lo largo de todo su ciclo de vida. Una casa diseñada para desmontarse, no para demolerse A diferencia de las viviendas tradicionales, donde al final de su vida útil suele proceder la demolición, el NIU N230 está específicamente diseñado para ser desmontado y reutilizado, con el objetivo de reducir significativamente la huella de carbono asociada al ciclo completo de la construcción. Esta capacidad se logra mediante un sistema de construcción seca, sin pegamentos o adhesivos que impidan separar sus componentes, lo que facilita su reconfiguración o reutilización futura. Organización espacial que conecta interior y paisaje La casa se organiza mediante dos ejes perpendiculares que estructuran sus espacios interiores: en la planta baja se concentran las áreas sociales y de convivencia, mientras que en la planta alta se ubican cuatro habitaciones y un espacio adicional que funciona como distribuidor y zona de estudio. La circulación vertical, articulada a través de una escalera que se abre hacia el exterior, busca generar una experiencia espacial continua que integra vistas al paisaje como una parte activa del recorrido. Acero, madera y luz: materialidad inteligente y eficiente En cuanto a la materialidad, la vivienda combina elementos de acero en la estructura principal, para responder a las necesidades de resistencia, con madera en los acabados interiores, predominando el uso de blanco RAL 9016 y paneles de roble claro. Una fachada ventilada de superficie sólida reduce las exigencias de mantenimiento y refuerza la lógica de un sistema de construcción estandarizado. Asimismo, un techo textil tensado permite un fácil acceso a las instalaciones y, cuando se requiere, puede retroiluminarse para modular la luz interior. Respeto por el entorno y modelo replicable El diseño responde también a las condiciones del terreno, adaptándose

El proyecto Villa on a Dune es una vivienda privada ubicada en un terreno con dunas al norte de los Países Bajos, diseñada para integrarse de forma orgánica con su entorno natural. La casa se asienta en medio de un paisaje de arena y pinos, aprovechando la topografía para que la arquitectura se “olvide” del paisaje en lugar de imponerse sobre él. Horizontes abiertos y luz natural como protagonistas La residencia se caracteriza por su volumetría horizontal y baja, que abraza el terreno, escondiéndose entre la vegetación y las suaves elevaciones del lugar. Gracias a su orientación y a sus grandes aberturas estratégicas, se aprovecha al máximo la luz natural y se logra una conexión visual profunda entre los espacios interiores y el entorno natural. Materiales nobles en diálogo con la naturaleza El diseño apuesta por una paleta de materiales sobrios que dialogan con el paisaje —madera, vidrio y acabados en tonos neutros— logrando un equilibrio entre modernidad y sensibilidad ambiental. La villa no solo se adapta a las formas de la duna, sino que parece emerger de ella, creando una sensación de continuidad entre arquitectura y topografía. Sostenibilidad y diseño consciente en la vivienda contemporánea Este tipo de proyectos destaca en el panorama de la arquitectura residencial contemporánea por su enfoque sostenible y por demostrar cómo una vivienda puede integrarse en un paisaje sensible sin sacrificar confort ni estética. Un refugio costero que redefine el habitar Además, el proyecto Villa on a Dune refleja una tendencia creciente en la arquitectura contemporánea: diseñar desde el respeto absoluto por el territorio. Más que una vivienda convencional, esta residencia funciona como un refugio integrado al ecosistema costero, donde cada decisión —desde la implantación hasta la selección de materiales— responde a las condiciones climáticas, la privacidad y la contemplación del paisaje, consolidándose como un ejemplo de cómo la arquitectura puede dialogar con la naturaleza de manera armónica y consciente. Fuente: archello.com

La Busan Opera House, diseñada por el estudio noruego Snøhetta, continúa tomando forma en el renovado frente marítimo de Busan. Más que un recinto escénico tradicional, el proyecto se plantea como un espacio cultural abierto e integrado al entorno urbano, capaz de funcionar como punto de encuentro entre la ciudad y el mar. Arquitectura fluida y programa escénico de gran escala Con aproximadamente 48 000 metros cuadrados de superficie, el complejo albergará un auditorio principal con capacidad para 1,800 personas, un teatro experimental de menor escala y diversas áreas públicas que extienden la experiencia cultural más allá de las funciones. La propuesta arquitectónica se define por dos grandes superficies curvas que generan una silueta fluida y dinámica, mientras que su cubierta accesible actúa como un paisaje elevado que permite recorrer el edificio y contemplar vistas panorámicas del océano y las montañas circundantes. Regeneración urbana en el North Port Ubicado en una zona portuaria en transformación, el proyecto forma parte de una estrategia más amplia de regeneración urbana del North Port, convirtiendo antiguos espacios industriales en áreas públicas activas. La planta baja permeable y los recorridos exteriores refuerzan la idea de un edificio abierto, que invita a la ciudadanía a apropiarse del espacio incluso fuera de los horarios de espectáculos. Avances de obra y apertura prevista para 2027 Actualmente en fase avanzada de obra, con estructura y fachada en desarrollo, la Busan Opera House tiene prevista su finalización hacia finales de 2026, con apertura estimada para 2027. El proyecto se perfila como un nuevo referente internacional en arquitectura cultural contemporánea, donde paisaje, infraestructura y vida pública convergen en una misma experiencia espacial. Fuente: www.archilovers.com

El estudio internacional TIMM Architecture presenta Inverted House, una residencia unifamiliar ubicada en Okrokana, un barrio montañoso de Tbilisi, Georgia, que replantea la relación entre vivienda, entorno y privacidad en contextos urbanos densos. En lugar de diseñar la casa detrás de muros convencionales, los arquitectos decidieron hacer que la propia edificación funcione como cerramiento activo, integrando protección, iluminación y espacio habitable en un único gesto arquitectónico. Transformando limitaciones en oportunidades El sitio se caracteriza por sus calles angostas, parcelas compactas y altos muros perimetrales, lo que limita las vistas al exterior y el acceso directo a la luz natural. Inverted House aborda este desafío con una estrategia interiorizada, orientando las principales áreas de convivencia —como la sala, la cocina y el acceso— hacia un patio central abierto, en lugar de abrirse hacia el contexto inmediato. Con este enfoque, la vivienda transforma el patio en su corazón espacial y ambiental, generando luz, ventilación y una conexión visual continua entre niveles. Estrategia volumétrica y secuencias espaciales La estructura se despliega en varios niveles: hacia la calle, el volumen se presenta como un cuerpo de un solo piso, mientras que en el fondo del terreno se eleva hasta tres plantas. Esta variación en sección permite la creación de un espacio de doble altura en las zonas sociales y la introducción de niveles intermedios que favorecen una secuencia espacial fluida, más que una serie de pisos segmentados. Piscina suspendida: función y estética Un elemento destacado del diseño es la piscina suspendida que cruza el vacío del patio central. Más allá de su función recreativa, este volumen suspendido genera sombra en los espacios exteriores inferiores y establece una conexión visual directa entre los distintos niveles del proyecto. Materialidad que refuerza la conceptualización La paleta de materiales refuerza la lógica conceptual del proyecto: hacia el exterior, la fachada se reviste con madera carbonizada, un tratamiento tradicional que protege la madera y crea una piel densa y protectora. Hacia el interior, este revestimiento cede paso a madera natural sin tratar, aportando textura y calidez alrededor del patio, mientras que los espacios interiores se rematan con acabados blancos

Fiji Solar Crown, desarrollado por MASK Architects, es un sistema arquitectónico innovador que propone a los edificios como infraestructuras activas capaces de generar energía, captar agua y regular el ambiente de forma integrada. El proyecto se basa en el uso de un espejo parabólico cóncavo de doble eje que sigue el recorrido del sol en tiempo real, concentrando energía solar mientras proporciona sombra, ventilación natural y control del microclima en los espacios habitables. Inspiración en la arquitectura tradicional fiyiana Inspirado en la arquitectura tradicional fiyiana, particularmente en el bure, el diseño reinterpreta principios como la elevación del volumen, la ventilación pasiva y la importancia simbólica de la cubierta, incorporando tecnologías contemporáneas. La corona solar no solo permite la generación de electricidad y la iluminación nocturna, sino que también recolecta agua de lluvia, almacenándola en el núcleo estructural para usos potables y no potables. De esta manera, cada unidad puede operar de forma autónoma, sin depender de redes centralizadas de energía o agua. Escalas modulares y adaptabilidad El sistema se organiza en tres escalas modulares que responden a distintas necesidades: un módulo compacto para infraestructura rural y usos agrícolas, uno intermedio para equipamientos comunitarios y turísticos, y una versión de mayor escala concebida como vivienda o unidad de alojamiento de varios niveles, adaptable a terrenos elevados o plataformas flotantes ante el aumento del nivel del mar. Estas unidades pueden funcionar de manera independiente o agruparse para conformar comunidades autosuficientes y microredes energéticas. Materiales locales y construcción flexible Además de su desempeño energético e hídrico, el proyecto destaca por el uso de materiales locales y sostenibles, como bambú laminado, maderas fiyianas y concreto geopolimérico, integrados a sistemas constructivos flexibles que responden a distintos contextos territoriales. La tecnología del espejo solar, los mecanismos de seguimiento y los sistemas de transferencia energética forman parte de la estructura arquitectónica, reforzando la idea de un edificio que no solo alberga actividades humanas, sino que también produce y gestiona sus propios recursos. Modelo escalable frente al cambio climático Finalmente, el Fiji Solar Crown se plantea como un modelo escalable y replicable para regiones vulnerables al cambio climático,

Ubicada en un terreno de fuerte pendiente dentro del condominio Aldeia do Vale, en Goiânia, Goiás, esta residencia parte de una estrategia de implantación que prioriza el respeto por la topografía natural. El proyecto evita cortes agresivos en el terreno y aprovecha el desnivel para organizar el programa arquitectónico de manera eficiente y sensible al paisaje. Dos niveles principales: áreas sociales y privadas La casa se desarrolla en dos niveles principales. En la planta baja se concentran las áreas sociales y de recreación, con una relación directa hacia el exterior, el jardín y la alberca. El nivel superior alberga los espacios privados, dispuestos en un volumen más cerrado y aparentemente suspendido, con aperturas puntuales que enmarcan vistas específicas del entorno natural. Volumetría adaptada a la pendiente La disposición volumétrica sigue la forma del terreno, permitiendo que la construcción se adapte a la pendiente sin intervenciones abruptas. Esta lógica de implantación genera una arquitectura que dialoga con el sitio y se integra de manera natural al contexto. Innovación estructural con losas postensadas Estructuralmente, el proyecto utiliza losas postensadas y pilares de concreto reforzado, lo que posibilita grandes claros y voladizos con un número reducido de apoyos verticales. Esta solución libera los espacios interiores y favorece una continuidad visual y funcional entre las distintas áreas, además de aportar ligereza a la composición formal. Materialidad sobria: concreto aparente y granito cepillado El concreto aparente define la materialidad predominante de la vivienda, mientras que el granito cepillado se incorpora en planos verticales estratégicos para introducir contrastes sutiles de textura y reforzar la lectura independiente de los volúmenes. La elección de una paleta de materiales contenida contribuye a la coherencia visual del proyecto y enfatiza su lógica estructural. Paisajismo con especies nativas y tropicales El paisajismo retoma la misma estrategia de implantación, integrando especies nativas y tropicales dispuestas en franjas que rodean la casa. Estas áreas verdes suavizan la transición entre la arquitectura y el entorno natural, además de mejorar el confort térmico y fortalecer la relación entre el edificio y el paisaje. Fuente: www.archilovers.com

La firma internacional de hospitalidad de lujo Aman presenta Aman Residences Tokyo, su primer proyecto de residencias privadas independientes, ubicado en la cima de la Mori JP Tower, el edificio residencial más alto de Japón. Este desarrollo marca un nuevo estándar en el sector inmobiliario de alta gama al combinar arquitectura de clase mundial, bienestar integral y una experiencia de vida serena en el corazón de una de las ciudades más dinámicas del mundo. Arquitectura de clase mundial con diseño exclusivo Diseñado por Pelli Clarke & Partners y con interiores de Yabu Pushelberg, el proyecto apuesta por un enfoque que equilibra monumentalidad y calidez. Los espacios integran materiales naturales, una paleta cromática sobria y una iluminación cuidadosamente controlada, creando atmósferas contemplativas que contrastan con el ritmo acelerado de la capital japonesa. Una nueva forma de habitar el lujo urbano Más allá del lujo convencional, Aman Residences Tokyo propone una reinterpretación del habitar urbano contemporáneo. Inspirado en los principios del diseño japonés simplicidad, equilibrio y moderación, el desarrollo fusiona tradición y modernidad para ofrecer un entorno donde la calma, la privacidad y el bienestar son esenciales. Amenidades exclusivas de nivel hotelero Los residentes disfrutan de acceso a un spa de gran escala, áreas sociales privadas y servicios personalizados característicos de la marca Aman. Esta integración convierte la vivienda en una experiencia sensorial completa, donde el confort, la atención al detalle y la comunidad adquieren un papel central. Regeneración urbana en el corazón de Tokio El proyecto forma parte de un ambicioso plan de regeneración urbana que busca redefinir el centro de Tokio mediante desarrollos de uso mixto que combinan residencias, oficinas, comercio y espacios verdes. Esta visión promueve comunidades verticales sostenibles, donde la arquitectura responde tanto a criterios estéticos como a la calidad de vida. Aman Residences Tokyo: un santuario urbano en las alturas Con este proyecto, Aman consolida su expansión en el sector inmobiliario de ultra lujo y establece un precedente para futuros desarrollos residenciales a nivel global. Más que un complejo habitacional, se presenta como un santuario urbano que redefine el concepto de lujo contemporáneo: menos ostentación y más

Desde su primera edición en 1948 en Lausana, el Congreso Mundial de Arquitectos se ha consolidado como el principal foro global para debatir sobre arquitectura, urbanismo y diseño. Este congreso trienal reúne a profesionales de más de 100 países, con el objetivo de intercambiar ideas y proponer soluciones innovadoras ante los desafíos contemporáneos. “Becoming”: Arquitecturas para un planeta en transición La edición 2026, que se celebrará en Barcelona del 28 de junio al 2 de julio, abordará cómo la disciplina puede responder a las transiciones ecológicas, sociales, culturales y materiales que enfrenta el mundo actual. Bajo el lema “Becoming. Architectures for a Planet in Transition”, el congreso se centrará en la creación de arquitecturas capaces de adaptarse a los cambios globales. Barcelona, Capital Mundial de la Arquitectura 2026 Barcelona ha sido designada por la UNESCO como Capital Mundial de la Arquitectura 2026, reforzando su papel como epicentro internacional para el diálogo arquitectónico. La ciudad se prepara para recibir a miles de profesionales, estudiantes y académicos de todo el mundo, consolidando su liderazgo en el ámbito de la arquitectura contemporánea. Un programa diverso e innovador El congreso presentará una amplia variedad de formatos, incluyendo conferencias, debates, talleres y una exhibición abierta al público durante cuatro semanas. Más de 200 ponentes internacionales, seleccionados por su impacto y diversidad disciplinaria, participarán en el evento. Entre ellos destacan estudios y figuras de renombre como Atelier Bow‑Wow, Tatiana Bilbao, Forensic Architecture, Bas Smets y muchos otros. Fomento del intercambio entre generaciones Previo al congreso, se organizará una semana preparatoria de talleres internacionales dirigidos a estudiantes y jóvenes arquitectos. Esta iniciativa fomentará el intercambio de conocimientos entre generaciones y contextos geográficos distintos, consolidando al congreso como un punto de encuentro integral para profesionales, académicos, instituciones y estudiantes de todo el mundo. Fuente: www.archdaily.mx

En una reciente conversación con Louisiana Channel, el reconocido arquitecto chino Zhu Pei propuso una reflexión profunda sobre la arquitectura, entendida no solo como una práctica técnica, sino como una forma de arte comparable a la poesía. Su enfoque, que mezcla sensibilidad cultural, exploración estética y compromiso con el contexto, ofrece una mirada fresca sobre el papel del diseño en el mundo contemporáneo. Más allá de lo técnico: arquitectura que emociona Para Zhu Pei, la buena arquitectura no se limita a resolver problemas prácticos. En su opinión, las construcciones verdaderamente memorables son aquellas que abren nuevas experiencias sensoriales y emocionales para quienes las habitan o las visitan. Como la poesía, estas obras deben ser capaces de sorprender e inspirar, trascendiendo lo utilitario para convertirse en expresiones culturales y artísticas. Diseñar desde el contexto natural y cultural Argumenta que los edificios deben surgir de una profunda comprensión de su entorno: tanto de la naturaleza como de las tradiciones locales. Zhu Pei destaca la importancia de reconocer las raíces culturales y ambientales de un lugar, y de integrar ese conocimiento en cada diseño. Esta filosofía, que él llama “Arquitectura de la Naturaleza”, no solo destaca el valor estético de las formas, sino también su capacidad de dialogar con el pasado y el presente de una comunidad. Tradición y sostenibilidad Uno de los pilares de la propuesta de Zhu Pei es que la arquitectura contemporánea debe aprender de las estrategias tradicionales de construcción. Los proyectos históricos, desde viviendas tradicionales hasta asentamientos antiguos adaptados al clima local, contienen soluciones ingeniosas que pueden inspirar formas actuales de habitabilidad y sostenibilidad. Crítica a la homogeneización del diseño contemporáneo El arquitecto critica también las tendencias modernas que priorizan la simplicidad genérica y soluciones constructivas innecesariamente complejas, perdiendo así especificidad cultural. Para él, un diseño exitoso debe ser reflexivo, sensible al contexto y ecológicamente consciente, integrando tecnología solo cuando ésta fortalece el vínculo entre el entorno y la comunidad. Obras que encarnan una filosofía arquitectónica La obra de Zhu Pei se ha materializado en proyectos como el Zijing International Conference Camp y el Museo de Arte CUBE en

Diseñado por SUPPOSE DESIGN OFFICE, bajo la dirección de Makoto Tanijiri y Ai Yoshida, TOJI es el segundo proyecto desarrollado para NOT A HOTEL, ubicado en la histórica zona termal de Minakami, Japón. Cinco villas en la cima de la montaña El conjunto está formado por cinco villas independientes situadas en la cima de la montaña, desde donde se disfrutan vistas panorámicas del paisaje durante todo el año. Cada villa cuenta con aproximadamente 252 m² y capacidad para ocho personas, distribuidos en dos niveles que separan las áreas privadas de los espacios sociales. El agua como eje del diseño El diseño gira en torno al agua como elemento central. En la planta superior, la sala de estar y el comedor están rodeados por una piscina infinita de 15 metros, un baño termal natural, una piscina de agua fría y una sauna, creando una experiencia continua entre interior y exterior. La arquitectura potencia la relación con el entorno mediante amplias superficies acristaladas y vistas abiertas al valle de Minakami. Exterior en cobre e interiores contemplativos El exterior del edificio reinterpreta la cabaña de montaña japonesa mediante una fachada revestida en cobre, cuyo envejecimiento natural transforma el carácter del conjunto con el paso del tiempo. En el interior, materiales sobrios, techos altos y una iluminación cuidadosamente controlada generan una atmósfera serena y contemplativa. Una nueva forma de vivienda vacacional TOJI combina diseño, paisaje y cultura termal para ofrecer una nueva forma de vivienda vacacional, donde el confort contemporáneo se integra de manera respetuosa con la naturaleza. Fuente: www.archilovers.com