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Enclavado en un patio de forma cuadrada en Beilucaoyuan Hutong, en Beijing, ha comenzado a operar discretamente un restaurante de cocina china. A diferencia de los restaurantes de lujo modernos más populares en la actualidad, La maison Xun se destaca por su acogedor diseño contemporáneo y su antigua estructura arquitectónica. El diseñador Liu Daohua mantiene su compromiso de honrar la historia y la naturaleza, logrando que la estética contemporánea recupere la serenidad de los recuerdos de los antiguos habitantes de Beijing. Los diversos espacios adoptan diversas configuraciones y significados. Para La maison Xun, el corazón de su diseño se encuentra en la inmersión en la estética y el arte, así como en la intuición del pasado. Esto facilita la apreciación de la serenidad inherente a la vida en los antiguos Hutong de la ciudad. Al cruzar la puerta roja y adentrarse en el patio cuadrangular, se encuentran elementos de arte tradicional chino, como los azulejos grises, los aleros de madera, las paredes negras y los árboles centenarios, que transportan a las personas a una época de elegancia y tradición. “Este restaurante no es solo un club de primer nivel o de alta gama, sino también un paisaje que puede restaurar el estado de ánimo nostálgico de Beijing”, dijo Liu Daohua. Mediante una paleta de colores sencilla y simbólica en rojo y negro, «Pupu Bear», creado por Zhang Zhanzhan, se fusiona perfectamente con el austero entorno del patio cuadrangular y transmite una sensación de energía y alegría natural a través de su encantadora y serena representación animal. Esto permite que los visitantes dejen atrás el bullicio de la ciudad, recobren la paz mental, abracen una sensación de calidez emocional y miren hacia el futuro con optimismo. El diseñador hizo un esfuerzo consciente por evitar cualquier exceso complicado y abordó la tradición china y la antigua elegancia con el propósito de regresar a la simplicidad natural. Su objetivo era eliminar las ornamentaciones tediosas y preservar tanto la estructura arquitectónica como las huellas históricas de estos edificios antiguos. En un ambiente tan agradable, se reflejan los atributos culturales de siglos pasados, la tradición

En junio de 2023, se logró la finalización de la construcción de la Iglesia Jesús en Fengxian Qixian, obra concebida por Wutopia Lab, tras ocho años de trabajo. Requiere un poco de tiempo para recordarla debido a ciertos cambios en su aspecto y porque las razones detrás de su diseño en ese momento resultan un tanto confusas. Sin embargo, en aquel momento, la utilización de la translucidez como una manifestación contemporánea de lo que se interpretaba como la belleza sutil de Jiangnan y las fuerzas resilientes que la respaldan generó una profunda fascinación. Se busca la singularidad con cierta moderación. El propósito consistía en la separación de las estructuras principales y secundarias. La elección fue emplear el salón principal de 16.7 metros de altura como el núcleo central del edificio principal. En sus lados oeste y norte se incorporaron oficinas y otras instalaciones, mientras que el pequeño auditorio se ubicó en la parte superior del área de oficinas, creando así una comunidad vertical. Por su parte, el edificio auxiliar corresponde al comedor. La estrategia más destacada fue considerar todo el terreno como una entidad única denominada «lugar». Se erigió una especie de «velo» translúcido que serviría como límite visual alrededor de la línea de control arquitectónico. Los edificios principal y auxiliar se conciben como estructuras contenidas dentro de este espacio delimitado por el «velo». Juntos, junto con el límite visual del «velo», constituyen una expresión arquitectónica integral, formando un lugar completo. Después, se deseaba preservar una sensación de equilibrio en el interior del edificio. Sin embargo, en la planificación del terreno, se tomaron dos decisiones clave: en primer lugar, se ajustaron las líneas centrales del edificio principal para que fueran paralelas, pero no alineadas con el centro de la base; y en segundo lugar, se dispuso que las líneas centrales del auditorio fueran paralelas entre sí, pero no alineadas con la línea central del edificio principal. Esta nueva disposición no solo evita la rigidez de la simetría convencional, sino que también abre oportunidades para una vitalidad animada, al tiempo que mantiene la importancia de la simetría en áreas específicas. Un

Ubicado en el borde del valle de Las Vegas, Fort 137, diseñado por el arquitecto Daniel Joseph Chenin, se presenta como un refugio armonioso y lujoso profundamente influenciado por el árido paisaje del valle que lo rodea. Encargada por una familia que abraza un estilo de vida activo inmerso en su entorno, la residencia ofrece una transición fluida entre sus espacios interiores y el exterior, cuidadosamente dispuestos para deleitarse con las impresionantes vistas panorámicas del Cañón Red Rock. El arquitecto, quien reside en Nevada y posee un profundo conocimiento de la arquitectura adaptada al clima cálido y árido del suroeste, realizó un estudio detenido de algunas de las construcciones de los pioneros del siglo XIX para nutrirse de ideas e inspiración en su proceso de diseño. Chenin explica que se sintió particularmente atraído por la noción de estructuras apiladas de forma similar a los fuertes construidos por los colonos de la época. Esta influencia histórica se hace evidente de inmediato en el aspecto rústico y sólido del exterior de la casa, donde la piedra áspera se integra de manera armoniosa con los colores y texturas de las montañas Red Rock. Además, la entrada circular ofrece una interpretación moderna de las antiguas estructuras de los fuertes que solían adornar el paisaje del valle de Las Vegas en los primeros asentamientos. Con una altura de 7 metros y una forma cónica que contrasta con las líneas rectas de la arquitectura que la rodea, la rotonda desempeña el papel de puente entre el abrasador calor del desierto y la frescura de un inmenso refugio. Al ingresar a esta estructura circular, el sonido del agua que fluye en la fuente de piedra del nivel inferior transporta la mente desde el ardiente calor del desierto a la ilusión refrescante de un oasis. Una escalera en espiral conduce a un salón en la azotea, donde se encuentra una chimenea y unas amplias vistas panorámicas del desierto. La rotonda se abre al clima desértico de un patio interior que se funde con suavidad en las líneas difusas que conectan la casa con el entorno natural circundante. El

En una de las ubicaciones más destacadas de la Costa Brava Catalana, el estudio NordEst Arquitectura ha construido una casa de hormigón suspendida sobre el mar. La inclinación del terreno, las puertas de madera que se deslizan y las impresionantes vistas añaden un toque mágico a esta residencia que da la sensación de estar en suspensión. La casa se encuentra encajada en la pendiente de la montaña y consta de un amplio bloque de concreto que se abre al entorno a través de dos aberturas, a las que en el estudio denominan «mordiscos». En la parte superior, a la que se llega a través de un patio completamente resguardado de miradas indiscretas, se encuentran el vestíbulo de entrada, el cuarto de lavado y tres habitaciones con sus respectivos cuartos de baño y terrazas acristaladas que se extienden hacia la cala. Al descender por unas impresionantes escaleras de color negro, se llega al centro de la casa, que es la zona de estar principal y parece suspenderse sobre el Mediterráneo. Esta área se divide en dos partes: una es el espacio compartido, que incluye la sala de estar, el comedor y la cocina, mientras que la otra es el dormitorio principal en suite con un vestidor incorporado. Como si fuera un refugio que flota, esta planta baja se encuentra totalmente integrada con el jardín y la piscina infinita, que se asoman a Aiguablava como un mirador privado con una vista panorámica. Igualmente impresionante es el trabajo de los arquitectos, quienes han logrado que este espacio completamente conectado se transforme en una terraza cubierta cuando se abre una puerta corrediza, o en un área protegida contra el viento cuando se cierra. «Nuestra principal búsqueda fue la simplicidad y la sinceridad del proyecto, que alcanzamos utilizando materiales de alta calidad, como la madera, el hormigón y el vidrio en la fachada, así como los muros de gaviones y la piedra natural en el exterior», concluyen los diseñadores. El hormigón desempeña otra función importante al fusionar la estructura con el entorno, gracias a su textura (que se ha logrado mediante un proceso de encofrado

MIDE Architects creó una residencia de una sola planta en la que se ha concebido una amplia área abierta en la sala de estar, orientada hacia el sur. Esta zona se concibe como un espacio acristalado que actúa como una especie de vitrina hacia el parque, resguardada por una generosa terraza. El área destinada al descanso es de carácter más introspectivo: los muros exteriores están construidos con concreto expuesto y presentan aperturas geométricas hacia el jardín. Un amplio techo plano conecta todas las estancias de la vivienda, ofreciendo una efectiva protección contra la luz solar y las inclemencias del tiempo. El porche se distingue por la existencia de tragaluces que dan la bienvenida a los árboles, fortaleciendo la conexión entre la construcción y el parque que la rodea. Se ha reducido intencionalmente la variedad de materiales utilizados en el diseño para enfatizar la idea central del proyecto: vidrio, madera y un matiz rojizo característico del concreto, todos en sintonía con el pavimento de terrazo veneciano. Fuente: archdaily.mx

El equipo de arquitectura franco-brasileño TRIPTYQUE presenta su más reciente edificio residencial, llamado Onze22. Este edificio se erige en el tradicional esquema de torres, pero se diferencia al superponer láminas suspendidas que se entrelazan con paredes de vidrio, enmarcando el panorama urbano desde todas las direcciones. Onze22 busca lograr una total continuidad entre el interior y el exterior. Su diseño invita a los habitantes a interactuar con la ciudad de manera distinta: aquí, las vistas contribuyen a la configuración de los espacios, como si fueran parte integral de la decoración. La fachada transparente del inmueble permite que la luz natural ilumine los interiores de los estudios y apartamentos. Una terraza techada los circunda en su totalidad, ampliando las áreas y asegurando resguardo ante la intensidad del sol. La estructura está ubicada en la dirección Rua Agissê 287, próxima a una extensa plaza con árboles, y manifiesta el activismo de la firma de arquitectura franco-brasileña en promover una nueva relación entre la naturaleza y el entorno urbano. El diseño de paisaje, a cargo de Rodrigo Oliveira, extiende la rica vegetación de la plaza cercana al terreno, logrando una transición fluida. Este jardín tropical rodea las áreas compartidas del edificio, también completamente acristaladas, en una estructura sin cercas. La singular geometría de este edificio dificulta distinguir entre su fachada y su parte trasera, ya que todos sus lados funcionan como fachadas. Los niveles inferiores se orientan hacia la plaza, mientras que, desde los niveles superiores, el barrio se presenta en un panorama abierto, brindando asombrosas vistas del entorno circundante. Fuente: arquine.com

Ma Yansong presentó “The City of Time”, un espacio diseñado para albergar actuaciones y residencias artísticas durante 300 horas, creado específicamente para el Festival de Teatro Aranya en China. Inspirándose en la migración de las aves como metáfora, el programa de residencia artística Migratory Birds 300 reúne a 300 artistas provenientes de diversos campos y antecedentes. Durante el período del 12 al 25 de junio, la intervención arquitectónica diseñada por Ma Yansong sirve como escenario para una amplia gama de expresiones artísticas, que incluyen espectáculos, instalaciones, esculturas, arte performático, pinturas y videos, con un total de 131 trabajos grupales y 194 proyectos individuales.   “The City of Time” es concebida como un espacio temporal y transitorio. Su diseño arquitectónico se enfoca en un eje perpendicular al mar, creando así un ambiente contemplativo para los artistas. Al construir una ciudad imaginaria junto al mar de Aranya, esta instalación invita a los artistas a explorar los conceptos de tiempo, el comportamiento humano y su vínculo con la naturaleza.   Migratory Birds 300 destaca como uno de los programas más fascinantes dentro del Festival de Teatro Aranya. Este proyecto de residencia artística pública abarca dos ubicaciones: Aranya, China, y Regent’s Canal en Londres, Inglaterra. Este proyecto ampliamente discutido, proporciona a los artistas un tiempo ininterrumpido de 300 horas para la creación de nuevas obras, al mismo tiempo que fomenta la convivencia comunitaria y un entorno de trabajo colaborativo. Este programa promueve la colaboración entre diferentes disciplinas artísticas y crea un espacio donde se puede experimentar el arte, la naturaleza y las conexiones humanas. “Alzando el vuelo y trascendiendo la realidad, se trata de un lugar dedicado al tiempo, el comportamiento humano y la naturaleza, que inspira la contemplación sobre las relaciones con nosotros mismos y el mundo.”   Ma Yansong, el principal socio de MAD Architects, ha participado en una amplia gama de proyectos de diferentes escalas y programas. Recientemente, la firma ha compartido fotografías del «Cloud Center» de Aranya, un centro artístico casi terminado ubicado en Qinhuangdao, a aproximadamente 257 kilómetros al este de Beijing, China. Además, Ma Yansong también está cerca

Desde temprana edad, Carlo Scarpa, arquitecto veneciano, encontró inspiración en el encanto melódico del agua que fluía por las calles y canales de Venecia. Esta pasión por el paisaje y la espiritualidad se desarrolló con el tiempo, a través de lecturas, viajes y conexiones artísticas. Basando su enfoque en una cultura visual de excelencia y respeto por la tradición, Scarpa creó espacios arquitectónicos donde cada elemento interactuaba armoniosamente, como una sinfonía. Con sensibilidad y conocimiento, valoraba tanto la historia y la belleza existente como las nuevas aportaciones. La artesanía, la sofisticación de los espacios y estructuras, y sobre todo, la estrecha relación con el agua, siguen siendo elementos vivos en la ciudad de Venecia. La pasión de Scarpa por este elemento fue constante a lo largo de su vida y se reflejó en numerosos proyectos. Durante su conferencia en Mill Cypress en Madrid en 1978, Scarpa evocó: “A mí me gusta mucho el agua, quizás porque soy veneciano…” Scarpa utiliza el agua como aliada de la luz y el sonido, creando formas y efectos cautivadores. Su proyecto del patio del Palacio Central, conocido como el Jardín de los Sonidos o el Jardín de las Esculturas, es una sinfonía en la que cada elemento es estudiado minuciosamente para lograr un equilibrio armónico. El agua se convierte en un elemento sonoro que une fragmentos y crea un diálogo singular, generando una experiencia casi musical. A través de los detalles, Scarpa construye un espacio complejo y completo, embellecido por el agua, la luz y el sonido. Su diseño evita elementos superfluos o contradictorios, y solo puede ser comprendido plenamente a través del movimiento y la exploración.   Uno de los fundamentos en la tradición arquitectónica de Carlo Scarpa era su admiración por la arquitectura japonesa, caracterizada por su delicadeza, su enfoque contemplativo y su estrecha relación con el agua. Otro referente importante en el panorama arquitectónico de esa época era, Frank Lloyd Wright. En su obra «El idioma de la arquitectura orgánica» (1978), ambos arquitectos buscaban descubrir lo que Wright llamaba el «alma gráfica de las cosas», el misterio oculto tras el complejo lenguaje

La primera monografía francesa dedicada a la obra de Nanda Vigo en el museo MADD de Burdeos ofrece una nueva mirada a la obra de la artista a través de una experiencia inmersiva en su luminoso y colorido universo vanguardista. En esta ocasión se expondrán las cómodas Storet de Acerbis tanto en su edición vertical alargada, como en la mesita de noche, diseñadas en 1994 por Nanda Vigo y reeditadas hoy con nuevas proporciones y acabados.  Un producto sencillo en su estructura vertical, pero transgresor y vivo en las formas redondeadas de los cajones, caracterizados por un refinado juego de luces y sombras y contrastes de materiales. Las cómodas Storet son testigos de la exitosa colaboración con Acerbis que comenzó en la década de 1960 con las mesas Blok, que ilustran perfectamente la fascinación del diseñador por la luz y ahora forman parte del archivo histórico de la marca.

El nuevo catálogo de colecciones reúne en una sola historia el alma dual de Acerbis: el espíritu icónico de la colección Remasters con el espíritu contemporáneo de los diseños más recientes. Una historia estética que enfatiza la capacidad de los productos Acerbis para encajar perfectamente en una amplia variedad de entornos que celebran su fuerte identidad, versatilidad y valor intrínseco. La historia de personas, valores y productos de una marca protagonista en la historia del diseño.

La expansión de la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur, diseñada por SANAA, abrirá sus puertas al público el próximo 3 de diciembre de 2022. El proyecto, apodado “Sydney Modern Project” El Proyecto Moderno de Sidney y revelado por primera vez en 2019, es el más significativo desarrollo cultural de la ciudad en casi cinco décadas, desde la apertura de la Sydney Opera House. El nuevo edificio, diseñado por SANAA junto con la firma australiana Architectus, quienes desarrollaron el proyecto ejecutivo, está compuesto por una serie de pabellones de diversos tamaños y una serie de galerías dispuestas en forma de cascada, en dirección al puerto. La estructura, que se abre hacia sus alrededores, fue diseñada para actuar como telón de fondo para el arte del siglo XXI que allí se exhibirá. Ubicada en un sitio por encima del Puerto de Sydney, el nuevo campus del museo de arte contendrá dos edificios conectados por un jardín público. El diseño dobla el espacio destinado a exhibiciones de la galería existente e integra la reutilización de un viejo barco petrolero de la Segunda Guerra Mundial como un espacio de arte subterráneo. Así mismo, el proyecto propone la revitalización de la Galería de Arte del edificio histórico diseñado por el estudio de arquitectos australianos Tonkin Zulaikha Greer. La arquitecta paisajista Kathryn Gustafson, junto con la firma de Seattle Gustafson Guthrie Nicol, y los arquitectos paisajistas australianos McGregor Coxall están a cargo del diseño del paisaje y de los espacios públicos dentro del nuevo campus. Para celebrar la apertura de la expansión, se otorgaron nueve comisiones a artistas destacados. El “Sydney Modern Project” también contará con espacios dedicados a exhibiciones de arte aborigen y de los isleños del estrecho de Torres. La Galería de Arte de Nueva Gales del Sur mantiene una colección de más de 36,000 objetos adquiridos durante los pasados 74 años, entre los cuales más de 2,000 piezas son de esta procedencia. Referencias: https://www.archdaily.mx/mx/981669/la-galeria-de-arte-de-nueva-gales-del-sur-disenada-por-sanaa-abrira-al-publico-el-proximo-diciembre